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Welche Bedeutung haben die Elemente dieses Emblems?

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Dies ist eine Reproduktion eines Emblems, das von meiner Familie weitergegeben wurde. Die seltsame elliptische Form kommt daher, dass sich das Original auf einem Ring befindet, der zum Wachsen verwendet wird.

Wir vermuten, dass der mittlere Teil das Emblem unserer eigentlichen Familie ist, da es auch in den Emblemen anderer Zweige der Familie, die wir in Kirchen und dergleichen reproduzierten, fast identisch erscheint.

Der obere Teil könnte eine Verbindung zum österreichischen Reich sein (die Familie stammt aus einem Teil Italiens, der bis 1848 unter österreichischer Herrschaft stand), die andere Arbeitshypothese ist stattdessen eine Verbindung zum spanischen Reich, da dieselbe Region zuvor unter spanischer Herrschaft.

Der untere Teil mit drei Sternen ist der, der uns am meisten verwirrt. Mein Urgroßvater hat immer gescherzt, dass es die Bescheinigung war, dass ein Vorfahr einen Adelstitel trug, aber wir fanden nie Informationen, die die Zweifel so oder so zerstreuen konnten.

Mein Großvater konnte unsere Geschichte bis in die Mitte des 18. Jahrhunderts rekonstruieren, aber dies hat nicht viel zutage gefördert, was die verschiedenen Komponenten des Emblems erklären könnte.

Ist es möglich, die Bedeutung (und möglicherweise die Geschichte) dieses Emblems zu rekonstruieren? Wenn ja, was sind sie?


Der Doppeladler an der Spitze weist auf das Kaiserreich Österreich (-Ungarn) hin.

Aber darüber ist a Erritterkrone mit nur drei Perlen (naja, eigentlich vier, drei davon sichtbar… ). Dies ist anscheinend einzigartig in Italien.

Der Greif dann

Der Greif, Greif oder Greif (griechisch: γρύφων, grýphōn oder γρύπων, grýpōn, Frühform γρύψ, grýps; lateinisch: gryphus) ist eine legendäre Kreatur mit dem Körper, dem Schwanz und den Hinterbeinen eines Löwen; der Kopf und die Flügel eines Adlers; und manchmal die Krallen eines Adlers als seine Vorderfüße. Da der Löwe im Mittelalter traditionell als König der Tiere und der Adler als König der Vögel galt, galt der Greif als besonders mächtiges und majestätisches Wesen. Seit der Antike waren Griffins dafür bekannt, Schätze und unbezahlbare Besitztümer zu bewachen.

Heraldische Bedeutung

In der Heraldik gewinnt die Verschmelzung des Greifs aus Löwe und Adler an Mut und Kühnheit, und er wird immer von mächtigen, wilden Monstern angezogen. Es wird verwendet, um Stärke und militärischen Mut und Führung zu bezeichnen. Greife werden mit dem Hinterleib eines Löwen, einem Adlerkopf mit aufgerichteten Ohren, einer gefiederten Brust und den Vorderbeinen eines Adlers einschließlich Krallen dargestellt. Diese Merkmale weisen auf eine Kombination aus Intelligenz und Stärke hin.[22] In der britischen Heraldik wird ein männlicher Greif ohne Flügel dargestellt, sein Körper ist mit Büscheln von beeindruckenden Stacheln bedeckt, mit einem kurzen Stoßzahn, der wie bei einem Einhorn aus der Stirn ragt. Der weibliche Greif mit Flügeln wird häufiger verwendet.

Neugierig sind die nur fünf Strahlen für die drei Sterne. Das wäre der "englische" Typ, der "deutsche" Stil würde oft sechs oder sogar mehr beinhalten. Da die Kreatur auf einem einzigen Hügel steht, könnte sie mit alpinen oder subalpinen Regionen verbunden sein, und der kleine Baum oder Strauch, den sie berührt, könnte auf die Forstwirtschaft als Haupteinnahmequelle oder auf Aufsicht / wirtschaftliche Bedeutung hinweisen?

Daraus würde ich schließen, dass Anfang des 19. Jahrhunderts Habsburg, Italien (von Südtirol bis Venetien?), niedriger Adel die zu beobachtenden Verbindungen sind. Aber das ist nicht vom Hügel unten, sondern von der Krone oben. Aber das ist ungewiss.

Die italienische Wikipedia sagt, dass Cavaliere ereditario:

Der erbliche Ritter ist ein sehr eigenartiger Adelstitel, der in Italien in den Gebieten unter österreichischer oder spanischer Herrschaft (insbesondere in der Lombardei, Sizilien und Sardinien) hauptsächlich zugunsten aller Männer einer Familie verliehen wird.

Nach der Verordnung des italienischen Wappenrates ist der Titel des Erbritters der niedrigste der Hierarchie, der auf einer Ebene liegt, die unmittelbar niedriger ist als der des Adelsbürgers. In den deutschsprachigen Ländern, die zum Heiligen Römischen Reich gehörten, war dagegen der Titel des Erbritters dem eines Adligen überlegen und wurde dem eines Barons/Herrschers unmittelbar untergeordnet.

Da die sardischen und sizilianischen Gebiete nicht in Frage kommen und das Piemont zu weit westlich ist, als dass es Lombardei sein muss? Genauer gesagt scheinen sich andere Wappen in der Region mit einiger Ähnlichkeit um Brescia zu drehen. Capriano del Colle, Chiari, Concesio, Marmentino, Marcheno, Offlaga und Pian Camuno.

Wappen von Pian Camuno
Wappen von Capriano del Colle

Andere weichen zu stark von ihren Sternen ab, sind aber vielleicht auch einen Blick wert.


Welche Bedeutung haben die Elemente dieses Emblems? - Geschichte

Unsere Bruderschaft möchte Mutter Gabriella, Äbtissin der Entschlafung des orthodoxen Klosters der Muttergottes, für ihren freundlichen Segen für die Übersetzung dieses Textes ins Chinesische und den Nachdruck der englischen Originalversion in dieser Veröffentlichung danken.

Die Veröffentlichung der chinesischen Übersetzung wurde durch die Bemühungen von Herrn Daniel Yeung vom Institut für Chinesisch-Christliche Studien und die Verbindungsarbeit unter anderem von Prof. Xu Fenglin ermöglicht. Wir danken auch dem Übersetzer Herrn Hou Jianyu und der Korrekturleserin Frau Zhang Gui na für ihre Zeit und Energie, die sie für den Text aufgewendet haben.

Erzpriester Dionisy Pozdnyaev

Orthodoxe Bruderschaft der Apostel Petrus und Paulus (Moskauer Patriarchat)

D IE orthodoxe Kirche ist ohne Ikonen, brennende Kerzen und Räucherstäbchen undenkbar. Die orthodoxe Kirche ist eine Traditionskirche, und die Präsenz und Verwendung von Ikonen in der orthodoxen Kirche spiegelt diese Tradition wider.

Das Wort IKONE kommt vom griechischen Wort EIKONA und bedeutet Bild. Im weitesten Sinne ist eine Ikone jede Darstellung einer heiligen Persönlichkeit, die in vielen Medien und Größen produziert wird. Im engeren Sinne handelt es sich um eine andächtig bemalte Holztafel.

Die Ikone ist das Ergebnis der Synthese dreier verschiedener Kulturen: der griechischen, römischen und christlichen. Die Technik der byzantinischen Kunst hat die Grenzen des Reiches überschritten und einen tiefgreifenden Einfluss auf die Entwicklung der Kunst insbesondere in den slawischen Nationen gehabt.

Christliche Kunst tauchte zuerst in den Katakomben auf, die bis ins 6. Jahrhundert weit verbreitete unterirdische Felsgräber waren. Obwohl die Katakomben nicht das Vorrecht einer bestimmten religiösen Gruppe waren und geografisch weit verbreitet waren, werden sie häufig mit dem Christentum in Verbindung gebracht. Die größte Katakombenmasse wurde in Rom entdeckt. Ab dem 3. Jahrhundert begruben römische Christen ihre Toten in außerirdischen unterirdischen Gräbern, die aus Korridoren und Kabinen unterschiedlicher Größe bestanden. Einige der Gräber waren mit einer gemalten oder geschnitzten Inschrift verziert, die den Bewohner identifizierte, während andere Bilder Szenen aus dem Alten Testament enthielten. Die Bilder in den Katakomben sind einfach, mit wenigen Pinselstrichen und einer engen Farbpalette erstellt. Die Themen reichen von Christus, der ein Lamm trägt, über drei junge Männer, die Gott aus dem Feuerofen preisen, über die Auferweckung des Lazarus bis hin zum eucharistischen Mahl. In der Zeit, in der das Christentum toleriert wurde, wurden die Dekorationen der Katakomben ziemlich aufwendig. Die römischen Katakomben wurden im 6. Jahrhundert nicht mehr für Bestattungen genutzt.

Die Kunst der Katakomben war eine Lehrkunst. Bereits existierende heidnische Symbole wurden von Christen zusammen mit neuen, von ihnen erfundenen Symbolen verwendet. Zum Beispiel: Das Schiff repräsentierte die Kirche und repräsentierte auch Wohlstand, während der Pfau, die Taube und die Palme das Paradies repräsentierten. Die Anbetung der Weisen bedeutete die Aufnahme der Heiden in den Glauben, und die Vermehrung der Brote war das Symbol des eucharistischen Mahls, der Weinstock symbolisierte das Geheimnis der Gnade Gottes für die Getauften. Was Christen aus Angst vor Verfolgung nicht offen zum Ausdruck bringen konnten, wurde in einer symbolischen Sprache dargestellt, einem Geheimcode der Gläubigen in einer feindlichen Welt: Diese geheime Symbolik der Bilder in den Katakomben wurde den Katechumenen nach und nach gelehrt. Die Katakomben bezeugen, dass Christen überall dort, wo sie sich versammelten, eine visuelle Umgebung geschaffen haben, um sie an das Reich Gottes zu erinnern und ihnen beim Beten zu helfen.

Das am weitesten verbreitete Symbol, das im 2. Jahrhundert auftauchte, ist der Fisch. Ein Zeichen, das in der Antike verwendet wurde, um Fruchtbarkeit und später, in der Römerzeit, Erotik zu repräsentieren, wurde der Fisch zu einer komprimierten Form des Glaubensbekenntnisses: Das Wort Fisch besteht im Griechischen aus fünf Buchstaben, die ein Akrostichon bilden, das das Diktum abkürzt: Iesous Christos Theou Yios Soter übersetzt ins Englische bedeutet es: Jesus Christus, Sohn Gottes, Retter.

Als das Christentum keine verbotene Religion mehr war, verließ die christliche Kunst zusammen mit den heidnischen Symbolen die Katakomben und bewegte sich schnell und energisch in die Schaffung einer eigenen Kunst, ihrer eigenen Ausdrucksform. Nach dem Sieg von Kaiser Konstantin über Maxentius 312 wird das Christentum als Staatsreligion anerkannt. Da sich nun Kaiser dem Christentum anschlossen, führte dies zu massiven Bekehrungen. Konstantin der Große, der von vielen anderen nachgeahmt wurde, befahl den Bau vieler wunderschön gestalteter und verzierter Kirchen. Der Kunst gegenüber bisher gleichgültig, wird die Kirche zum stärksten Vermittler des künstlerischen Ausdrucks, sowohl in der Architektur als auch in der Bilddarstellung. Mit großem Reichtum vom Staat und auch von den Fürsten selbst hat die Kirche die Möglichkeit, eine eigene Kunstform zu schaffen und zu entwickeln: die christliche Kunst.

Im Jahr 330 wird Konstantinopel Reichshauptstadt. In den folgenden Jahrhunderten sollte sie zur heiligen Stadt werden, die das Profane mit dem Heiligen in Einklang brachte. Im 4. Jahrhundert stellen wir fest, dass Christus nicht mehr als Philosoph dargestellt wird, sondern als Herr des Universums, eine neue und starke Verbindung zwischen Staat und Kirche entsteht, in der Christus der Herrscher der christlichen Welt und der Kaiser ist Sein Stellvertreter auf Erden.

Byzanz war die Kreuzung zwischen Ost und West und umfasste das gesamte Mittelmeerbecken. Es hatte seine Hauptstadt in Konstantinopel, dem Treffpunkt von Europa und Asien. Obwohl sie gut mit den politischen und sozialen Institutionen des späteren römischen Reiches verbunden war, entwickelte sie die neue ökumenische Religion – das Christentum – sprach die griechische Sprache und übernahm die griechische Bildung. Justinian I. (527-565), der letzte der großen römischen Kaiser, wollte die politische und religiöse Einheit im Reich erreichen. Seine Herrschaft wurde "Das Goldene Zeitalter" genannt. Ein Zeitalter hoher Spiritualität und künstlerischer Genialität.

Die Werke der byzantinischen Kunst sind das Produkt tief verwurzelten Glaubens und Frömmigkeit, die größtenteils von anonymen Künstlern geschaffen wurden und den Anstand des Himmelreiches widerspiegeln. Durch ihre Struktur und unveränderliche Prinzipien geben sie der Vorstellung des Göttlichen, wie sie von der orthodoxen Lehre empfangen wird, eine greifbare Form. Byzantinische Künstler waren keine einfachen Kopisten der Vergangenheit, sie hatten ihre eigenen Traditionen, Werte und Ideale. Sie lebten in einem Umfeld, das eine politische und institutionelle Kontinuität mit der Vergangenheit aufwies, und während sich die westeuropäischen Staaten auf den Ruinen des Römischen Reiches niederließen, war Byzanz selbst das Römische Reich. Auch die byzantinische Gesellschaft und Kultur war mit dem antiken Griechenland verbunden. Die byzantinische Sprache war dem klassischen und postklassischen Griechisch am nächsten. Die Literatur des klassischen Griechenlands, der hellenistischen Welt und der Kirchenväter war den Byzantinern zugänglich, und durch ihre Literatur nahmen sie die Ideen und Werte auf, die sie zum Ausdruck brachten.

Die Reihe der Kunstwerke in Byzanz begann mit großen Meisterwerken, wie den Kirchen der Heiligen Sophia, der Heiligen Irene und der Heiligen Sergius und Bacchus in Konstantinopel, die aus der Mitte des 6. Jahrhunderts stammen und dem Kaiser Justinian und seiner Frau zugeschrieben werden Theodora, während wir auf der anderen Seite des Mittelmeerbeckens, in Ravenna, Italien, die beeindruckendste Serie von Wandmosaiken aus dem 5. Römische Kaiserin und das orthodoxe Baptisterium, die Mosaiken in der Kirche Saint Appolinaris the New, Saint Vitale und Saint Appolinaris in Classe sowie das Baptisterium der Arianer stammen aus dem 6. Jahrhundert mit einigen Ergänzungen aus dem 7. Jahrhundert.

Der Einfluss der byzantinischen Kunst findet sich auch in den östlichen Teilen des Reiches bis nach Ägypten. Im Kloster der Hl. Katharina, in der Wüste des Sinai, finden wir den gleichen Stil von Mosaikdekorationen wie in den anderen Ecken des Reiches. Es gibt auch eine Reihe von Ikonen, die in Enkaustik auf Holz gemalt wurden (eine Methode mit geschmolzenem Wachs, in die Farbpigmente gemischt werden), die im Sinai aufbewahrt wurden, einige davon heute auch im Kiewer Museum und in der Kirche Santa Maria Nova ( Heilige Maria die Neue) in Rom. Dies sind sicherlich die Bilder, die Licht auf die Ursprünge der Malerei auf Holz werfen, die sich im 9. Jahrhundert und darüber hinaus umfassend entwickeln wird. Es ist ungewiss, dass diese Ikonen im Sinai gemalt wurden, wahrscheinlicher ist es, dass sie dorthin gebracht wurden und dass sie überlebt haben, ist auf die abgelegene Lage des Katharinenklosters und auch auf den Respekt der Muslime vor dem Kloster zurückzuführen der Zerstörung erspart. Von Byzanz aus wird diese Art der Bildkunst auch in das heutige Russland reisen.

Im 7. Jahrhundert gehören Ägypten und Syrien nicht mehr zum Imperium. Wir treten jetzt in das dunkle Zeitalter der byzantinischen Ära ein, eine Zeit, die fast zwei Jahrhunderte andauern wird: von der Zeit des Kaisers Herakles (611 bis 641) bis zum Kaiser Justinian II. (685 bis 711), eine Zeit erbitterter Kriege gegen den Islam , die Slawen und die Bulgaren.

Zwei ikonoklastische Perioden prägen die Geschichte und das Leben der Kirche. Die erste Periode der Verurteilung von Ikonen als Symbol des Götzendienstes begann mit der Herrschaft von Kaiser Leo III. oder Leo Isaurian (717-741). Kaiser Leo III. lehnte jede Darstellung Christi und seiner Heiligen ab und war der Meinung, dass solche Bilder keine Gegenstände der Verehrung sein sollten. Das Konzil von 754, das in Hiereia bei Konstantinopel zusammentrat, stimmte einer formellen Verurteilung des Kultes zu. Es leugnete, dass das Geheimnis Christi sowohl seine Göttlichkeit als auch seine Menschheit umfasste. In dieser Zeit wurde die Malerei als Kunst nie ganz aufgegeben, mit Ausnahme der sakralen Kunst. Sakrale Kunst wurde von den Bilderstürmern zerstört und geschändet, und profane Kunst wurde von ihren Gegnern zerstört und geschändet. Zwei Nachfolger auf dem Thron von Leo III., Konstantin (780-797) und Irene (797-802), unter der Leitung von Patriarch Tarasius, beriefen das Zweite Konzil ein, das 787 in Nicäa stattfand – genauer gesagt das Siebte Ökumenische Konzil – wo die Ikonophilen verteidigten vehement den Kult der Ikonen und ihr Sieg führte zur Wiederherstellung des Kultes.

Mit der Thronbesteigung Kaiser Leos des Armeniers (813-820) geriet die Kirche erneut in Unordnung, indem sie die zweite Kriegswelle gegen die Heiligenbilder auslöste. Leo wurde von Michael Amorias abgelöst und Michael wurde von Theophilus (829-842) abgelöst. Mit Hilfe von Patriarch Antonius I. Kassymatas stellte er den Bildersturm wieder her, indem er alle gemalten Bilder und jede Hilfe für Ikonodule verbot. Nach seinem Tod 842 in Konstantinopel diente seine Frau Theodora als Regentin für ihren Sohn Michael III. Sie war eine fromme Ikonophile, die Ikonen trotz der Missbilligung ihres verstorbenen Mannes treu verehrte. Es gelang ihr, den Maler Lazarus aus dem Gefängnis zu entlassen, und 843 stimmte sie der Restaurierung der Ikonen zu. Sie wird mit den Worten zitiert: „Wenn jemand diese Bilder um der Liebe willen nicht auf eine relative Weise küsst und verehrt, sie nicht als Götter, sondern als Abbilder ihrer Archetypen verehrt, lass ihn ein Anathema sein!“ Für ihre Rolle beim Triumph der Orthodoxie wird am 11. März (erster Sonntag der Großen Fastenzeit im Jahr 843) gedacht. Bis heute ist der Erste Sonntag der Großen Fastenzeit der Restaurierung der heiligen Ikonen durch Kaiser Michael III. und seiner Mutter Theodora und dem Triumph über alle Häresien der Orthodoxie gewidmet.

Der Theologe, der die Verwendung von Ikonen in der christlichen Anbetung verteidigte, war der heilige Johannes von Damaskus. In seiner Abhandlung "Über die Göttlichen Bilder" schreibt er: "Wenn wir uns ein Bild des unsichtbaren Gottes gemacht hätten, würden wir sicherlich im Irrtum sein. Aber wir tun nichts, was wir nicht irren, tatsächlich machen wir es das Ebenbild des fleischgewordenen Gottes, der auf Erden im Fleisch erschienen ist, der in seiner unbeschreiblichen Güte mit den Menschen lebte und die Natur, das Volumen und die Farbe des Fleisches annahm.“

Die Rückkehr zur Kunst der sakralen Bilder, nach einem langen und schwierigen Kampf, bedeutete die Rückkehr zu alten Praktiken. Die Bilder Christi und aller Heiligen werden jetzt offiziell von der siegreichen Kirche als mit göttlichen Kräften und ihrer Betrachtung als notwendig für unsere . proklamiert Erlösung. Aufgeladen durch diese neue religiöse Funktion, stellen alle Gemälde mit einem religiösen Thema alle anderen Kunstdarstellungen in den Schatten.

Nach 843 wurde Kappadokien zu einem wichtigen Zentrum für sakrale Kunst. Die Region, im 4. Jahrhundert von St. Basilius als Zentrum des klösterlichen Lebens entwickelt, blühte mit Hunderten von Kirchen auf. Viele von ihnen wurden Anfang des 20. Jahrhunderts wiederentdeckt. Diese Kirchen präsentieren eine große Vielfalt an Themen und Stilen, die meisten von ihnen stammen aus dem 11. und 12. Jahrhundert. In dieser Zeit florierte nicht nur die Kunst, sondern auch die Theologie. Leider hat die Invasion der Kreuzfahrer, die 1204 von den Venezianern provoziert wurde, sowie die Plünderung Konstantinopels das Byzantinische Reich seiner materiellen Ressourcen und seiner moralischen Stärke beraubt. Der Fall Konstantinopels an die Türken im Jahr 1453 und die Invasion des Balkans markieren das Ende einer ruhmvollsten und prestigeträchtigsten Epoche der Geschichte. Die Türken verwandelten in ihrem Gefolge die schönsten Kirchen in Moscheen.

Eine zweite Periode in der Entwicklung der byzantinischen Kunst ist die nach dem 9. Jahrhundert. Zu dieser Zeit finden wir eine neue und andere Art von byzantinischer Malerei, die der Kunst, die sich in anderen Teilen der Welt entwickelt, nicht so nahe kommt. Die Kluft zwischen Ost und West und dem Nahen Osten beginnt sich zu vergrößern. Der byzantinische Einfluss nimmt ab.

Die Wandmosaiken sind ohne Zweifel die wichtigsten und Höhepunkte der byzantinischen Kunst aller Zeiten. Es entwickelt sich jedoch eine neue Kunstform, und das ist die Kunst des Freskos – das Fresko ist eine Wandmalerei auf einem speziell präparierten Gipsmaterial. Das Fresko war eine völlig andere Technik als das Mosaik und ermöglichte dem Künstler mehr Flexibilität und kreativere Details. Ebenso wie das Mosaik wurde das Fresko hauptsächlich zur Dekoration der Kirchen verwendet. Das archaischste und umfangreichste Fresko dieser Art findet sich in Kappadokien.Andere, rustikalere Themen finden sich in Griechenland, Zypern, Serbien, Russland und sogar Bulgarien. Viele sind auch in Konstantinopel noch erhalten.

Zusammen mit den Fresken finden wir ab dem 9. Jahrhundert auch, dass die byzantinische Frömmigkeit die Entwicklung von kleinformatigen Stücken, auf Holz gemalten Ikonen, stark beeinflusst. Jetzt gibt es Icon-Shops, meist in den Klöstern.

Im Werk des hl. Johannes von Damaskus finden wir auch sein Argument für gemalte Ikonen: „Da der Unsichtbare durch die Fleischwerdung sichtbar wurde, kannst du das Bild dessen gestalten, den du gesehen hast weder Quantität noch Qualität, der durch die Vorzüglichkeit seiner Natur alle Größe übertrifft, als göttlicher Natur nahm er den Zustand eines Sklaven an und reduzierte sich auf Quantität und Qualität, indem er sich in menschliche Züge kleidete zur Betrachtung dessen, der sichtbar werden wollte."

Wie wir bisher gesehen haben, ist die Ikone zu allen Zeiten und in allen Kulturen nicht annähernd ein Kunstwerk, sondern ein Hilfsmittel der Anbetung und ein Instrument zur Weitergabe der christlichen Tradition und des christlichen Glaubens. Der Heilige Geist spricht durch Ikonen zu den Menschen. Überall, wo eine Ikone steht (außer vielleicht in einem Museum), wird ein Ort der Anbetung und des Gebets aufgestellt, denn die Ikone ist kein Selbstzweck, sondern ein Fenster, durch das wir mit unseren physischen Augen auf das Himmelreich und das Reich blicken spiritueller Erfahrung. Es ist daher wichtig, sich daran zu erinnern, dass sich die Ikone nur mit dem Heiligen befasst, die Ikone Theologie in Bildern und Farben ist. In den Worten von L. Ouspensky ist das Christentum das Wort Gottes, ausgedrückt in Bildern: Das Christentum ist die Offenbarung nicht nur des Wortes Gottes, sondern auch des Bildes Gottes, in dem sich Sein Bild offenbart. Dieses gottgleiche Bild ist das charakteristische Merkmal des Neuen Testaments, da es das sichtbare Zeugnis der Vergöttlichung des Menschen ist. Die Wege der Ikonographie als Ausdrucksmittel der Gottheit sind hier dieselben wie die der Theologie. Die Aufgabe beider ist es gleichermaßen, das auszudrücken, was mit menschlichen Mitteln nicht ausgedrückt werden kann, da ein solcher Ausdruck immer unvollkommen und unzureichend sein wird. Es gibt keine Worte, keine Farben oder Linien, die das Reich Gottes repräsentieren könnten, wie wir unsere Welt repräsentieren und beschreiben. Sowohl die Theologie als auch die Ikonographie stehen vor einem absolut unlösbaren Problem – mit Mitteln der geschaffenen Welt das auszudrücken, was unendlich über dem Geschöpf steht. Auf dieser Ebene gibt es keine Erfolge, denn das Thema selbst ist unbegreiflich, und so erhaben und schön eine Ikone auch sein mag, sie kann nicht perfekt sein, so wie kein Wort oder Bild perfekt sein kann. Sowohl Theologie als auch Ikonographie scheitern dabei immer, denn dieser Wert ergibt sich daraus, dass sowohl Theologie als auch Ikonographie an die Grenze der menschlichen Möglichkeiten stoßen und sich als unzureichend erweisen. Daher können die Methoden, die die Ikonographie verwendet, um auf das Reich Gottes hinzuweisen, nur bildlich, symbolisch sein, wie die Sprache der Gleichnisse in der Heiligen Schrift. (L. Ouspensky und V. Lossky, The Meaning of icons, SVS Press, 1989, S. 48-49).

Für den orthodoxen Christen ist die Ikone kein ästhetisches Objekt, kein Studienobjekt, sondern „lebende Kunst“, wenn man sie so nennen kann. Es soll den Menschen verklären und zum Gebet und zur Kontemplation inspirieren. Leonid Ouspensky sagt: „So wie die Lehre über den Sinn des christlichen Lebens – die Vergöttlichung des Menschen – fortbesteht, so existiert und lebt die dogmatische Lehre über die Ikone in den Gottesdiensten der orthodoxen Kirche weiter unserer Zeit ist eine Ikone, ob alt oder modern, kein Objekt ästhetischer Bewunderung“ (L. Ouspensky und V. Lossky, The Meaning of Icons, SVS Press, 1989, S. 49).

Die erste Ikone, der MANDYLION oder die Heilige Serviette, die manchmal auch "Ohne Hände gemacht" genannt wird, soll nicht nur ein authentisches Abbild Christi gewesen sein, sondern auch ein solches, das Christus selbst bereitwillig hervorgebracht hat. Es wurde daher oft sowohl als Beweis für die Realität seiner Menschwerdung – da sie in Kontakt mit seinem Körper war – als auch als Rechtfertigung für die ikonophile Position angeführt, dass Christus selbst die Herstellung seines Bildes unterstützt hat.

Die Existenz der Heiligen Serviette wird erstmals im 6. Jahrhundert erwähnt. Einer Geschichte zufolge war Abgar V. der Schwarze, König von Edessa (Hauptstadt der türkischen Provinz Oshroene, wichtiges christliches und kommerzielles Zentrum der islamischen Welt bis zum 13. Jahrhundert), erkrankt und bat Christus, ihn zu heilen. Anstatt Abgar zu besuchen, schickte Christus ihm ein Handtuch, das er gegen sein Gesicht gedrückt hatte und das den Eindruck seiner Züge bewahrte. Als der König das Handtuch erhielt, wurde er auf wundersame Weise geheilt. Das Bild ging verloren und wurde dann wiederentdeckt und blieb in Edesa. Im Jahr 944 wurde Edesa belagert und die Heilige Serviette als Bedingung für den Rückzug verlangt. Es wurde dann in einer Prozession nach Konstantinopel getragen, wo es in der Sultanskapelle im Großen Palast aufgestellt wurde. Das Ereignis wird jährlich am 16. August gefeiert. Später soll es 1247 von König Ludwig IX. von Frankreich gekauft und nach Paris gebracht und in St. Chapelle aufgestellt worden sein. Es verschwand während der Französischen Revolution.

Die Züge des Antlitzes Christi auf der Heiligen Serviette sind die des Pantokrators. Es ist keine Büste, weil es nur den Kopf und einen Teil des Halses zeigt, keine Schultern sind zu sehen. Das Gesicht ist gemalt, als ob es auf einen horizontalen Fransenstreifen aus weißem Stoff gedruckt wäre, daher der Name "Serviette". Das früheste erhaltene Exemplar soll aus dem 10. Jahrhundert stammen und befindet sich im Katharinenkloster im Sinai. Diese Ikone hat keinen festen Platz in der Dekoration einer Kirche.

Das Bild der Heiligen Serviette war im Westen auch unter dem Namen Der Schleier von Veronica bekannt. Die Veronica-Geschichte ähnelt der von König Abgar: Veronica war eine Frau, die Jesus tröstete, als er auf dem Weg nach Golgatha das Kreuz trug. Sie bot Ihm ein Stück Stoff an, um das Blut und den Schweiß von Seinem Gesicht abzuwischen. Später stellte sie fest, dass sie ein „wunderbares Bild“ erhielt. Ein mit Veronica verbundenes Gebäude entlang der Via Dolorosa in Jerusalem ist heute das Zuhause einer Schwesterngemeinschaft namens "Die kleinen Schwestern Jesu".

St. Lukas, erster Maler der Jungfrau Maria

Lukes Biographie enthält keine üppigen Wunder und gefährlichen Reisen. Er wird als gut ausgebildeter Mann dargestellt, der in Griechenland und Ägypten Disziplinen wie Grammatik, Rhetorik, Poesie, Ethik und Logik studiert hat. Er war Arzt und Maler und starb friedlich in Achaia (einer spätrömischen Provinz, die den Peloponnes und Mittelgriechenland umfasste, mit der Hauptstadt Korinth). Seine Reliquien sollen von St. Artemis unter der Herrschaft von Konstantin II. nach Konstantinopel gebracht worden sein.

Die Legende besagt, dass der heilige Lukas der erste Künstler war, der das Porträt der Jungfrau Maria malte. Die Klöster Hodegon und Soumela behaupten, dass die in ihrem Besitz befindlichen Ikonen der Jungfrau Maria Gemälde von Lukas sind. Das Kloster Hodegon befindet sich in Konstantinopel in der Nähe der Hagia Sophia. Es wurde im 5. Jahrhundert von der Kaiserin Pulcheria gegründet, um wertvolle Reliquien zu beherbergen, zu denen später die Jungfrau Hodegetria gehörte. Das Kloster Soumela befindet sich auf einer Klippe an den Westhängen des Berges Melas in Kleinasien. Die Meisterschaft wurde der Jungfrau geweiht. Ihre Ursprünge reichen bis ins 4. Jahrhundert zurück und ihre Anfänge werden zwei athenischen Mönchen, Barnabas und Sophronios, zugeschrieben, die angeblich in einer Höhle von Soumela eine von Lukas gemalte Ikone der Jungfrau entdeckten. Im 20. Jahrhundert wurde das Kloster aufgegeben.

Obwohl er in den Cambridge Gospels aus dem 6. Jahrhundert als weißhaarig dargestellt wird, erscheint St. Luke in den meisten byzantinischen Porträts als junger Mann mit braunem, lockigem Haar, hohlen Wangen und einem dünnen Bart. Er wird normalerweise vor einem Schreibtisch beim Schreiben gezeigt. Gelegentlich wird er von Paulus begleitet, der sein Evangelium angeblich inspiriert haben soll, öfter wird er von seinem Gönner Theophilus begleitet. Der Festtag des Heiligen Lukas ist am 18. Oktober. Er ist der Autor des 3. Evangeliums und der Apostelgeschichte, geschrieben unter der Inspiration des Heiligen Geistes.

Prototyp, Symbolik und Techniken

Nachdem wir uns die Geschichte, Entwicklung und Darstellung ikonografischer Bilder weltweit und im Laufe der Jahrhunderte angesehen haben, müssen wir uns auch die Qualitäten einer Ikone, den Prototyp, die Symbolik und die Technik ansehen.

Zusammen mit der Heiligen Schrift ist die Ikone ein Werkzeug zur Weitergabe der christlichen Tradition und des christlichen Glaubens. Der Heilige Geist spricht zu uns durch die Verwendung von Bildern, Bildern, die die geschriebenen Worte der Heiligen Schrift ergänzen. Daraus folgt, dass Ikonen erzieherische und anbetende Hilfsmittel sind. Aus diesem Grund ist es wichtig zu erwähnen, dass der Glaube des Betenden über den ästhetischen Qualitäten einer Ikone steht. Die Ikone hat den Zweck, uns in den Bereich der spirituellen Erfahrung zu versetzen, über unsere materielle Welt hinauszugehen, uns die Größe und Vollkommenheit der für uns unsichtbaren göttlichen Realität zu zeigen.

Das Symbol soll kein sentimentales Stück sein. Es gibt keine Sentimentalität oder Dramatik in einer Ikone. Ein Symbol repräsentiert hauptsächlich biblische Ereignisse und biblische Charaktere. Die Gesichter der Personen, die in einer Ikone dargestellt werden, sind immer frei von ihren Gefühlen und weisen nur auf Tugenden wie Reinheit, Geduld, Vergebung, Mitgefühl und Liebe hin. Zum Beispiel zeigt die Ikone der Kreuzigung nicht den körperlichen Schmerz, den Christus am Kreuz erlitten hat, sondern was ihn zum Kreuz führte: die freiwillige Aktion, sein Leben für uns hinzugeben.

Symbole sind ebenfalls stumm. Eine genaue Beobachtung zeigt, dass die Münder der abgebildeten Charaktere niemals geöffnet sind, es gibt keine Symbole, die auf Geräusche hinweisen können. In der Ikone herrscht vollkommene Stille und diese Stille und Stille schafft sowohl in der Kirche als auch zu Hause eine Atmosphäre des Gebets und der Kontemplation. Das Schweigen einer Ikone ist ein Schweigen, das spricht, es ist das Schweigen Christi am Kreuz, das Schweigen der Jungfrau, das Schweigen der Verklärung, das Schweigen der Auferstehung.

Symbole sind nicht dreidimensional. Perspektive im Symbol existiert nicht. Es wird versucht, Tiefe zu suggerieren, aber die Frontalebene wird nie aufgegeben, denn die Ikone ist keine Darstellung unserer bewussten Welt, sondern ein Versuch, die Schönheit des Reiches Gottes zu suggerieren. Natürliche Gegenstände werden daher lebendig, aber symbolisch, manchmal abstrakt, wiedergegeben, da die geistige Realität nur durch die Verwendung von Symbolen in Bildern dargestellt werden kann. Als Beispiel zeigt eine Ikone der Taufe des Herrn Christus als jungen Mann, obwohl er zum Zeitpunkt seiner Taufe im Jordan ein voll ausgereifter Mann war. Die Bedeutung ist, dass wir durch die Taufe in ein neues Leben eintreten. Auch in dieser Ikone (Mosaik) der Taufe sehen wir einen alten Mann, der Johannes gegenüber sitzt. Er repräsentiert den alten Jordan. Der auf Christus herabsteigende Heilige Geist wird als weiße Taube dargestellt.

Obwohl die Ikonographie keine künstlerische Schöpfung ist und eher als Reproduktion bezeichnet werden kann, ist sie keine einfache Kopie von Werken anderer. Der Ikonograph verwendet Prototypen, aber die individuelle Spiritualität des Ikonographen ist in der Erschaffung jeder Ikone präsent. Leonid Ouspensky bemerkte: "Das Persönliche (in der Ikonographie) ist viel subtiler als in den anderen Künsten und entgeht so oft einer oberflächlichen Betrachtung. Obwohl Ikonen bemerkenswert ähnlich sind, finden wir nie zwei absolut identische."

Ein anderes Zitat, diesmal von Thomas Merton, erklärt die Ikone als einen Akt des Zeugnisses: "Was man im Gebet vor einer Ikone sieht, ist keine äußere Darstellung einer historischen Person, sondern eine innere Präsenz im Licht, die die Herrlichkeit des verklärten Christus ist , deren Erfahrung im Glauben von Generation zu Generation weitergegeben wird."

In der Ikonographie gibt es zwei verschiedene Kategorien von Farben. Zuerst gibt es Weiß, Rot, Grün und Blau, die verwendet werden, um Leben, Reinheit, Frieden und Güte auszudrücken. Die zweite Kategorie von Farben ist Schwarz, Braun, Grau und Gelb, und sie werden verwendet, um Gefahr und Unreinheit auszudrücken. Der christliche Glaube folgt dem Gedanken von Dionysos dem Aeropagiten, der drei Arten von Symbolen unterscheidet: edel, mittel und niedrig.

Was bedeuten Farben in der Ikonographie?

Weiß: ist die Farbe, die ewiges Leben und Reinheit repräsentiert.

Blau: steht für himmlische Wesen, Gottes Wohnort, den Himmel.

Rot: symbolisiert Aktivität. Im hebräischen Denken steht Rot für Leben. Wir finden es in mehreren Büchern des Alten Testaments erwähnt: Im zweiten Buch Samuel kleidete Saul die Töchter Israels in rote Gewänder: „O Töchter Israels, weint über Saul, der euch in Scharlach gekleidet hat, mit Luxus.“ ( 2 Samuel 1:24) [1] . In den Sprüchen finden wir, dass die perfekte Frau Rot trägt, im Buch Jeremia schmückt sich Jerusalem mit einem roten Gewand. Die Kleider des Märtyrers sind rot, auch die der Seraphim sind rot. Rot ist auch die Farbe, die Gesundheit, Feuer und das Jüngste Gericht darstellt.

Lila: Lila ist das Symbol für Königtum, Reichtum, Macht und priesterliche Würde. Im Buch Daniel erfahren wir, dass sich der König in Purpur gekleidet hat, und in den Psalmen wird erwähnt, dass der König und die Königin in Purpur gekleidet sind.

Grün: Grün steht in der Heiligen Schrift für Natur und Vegetation und steht damit für Wachstum und Fruchtbarkeit. Es wird im Hohelied und im Buch Jeremia erwähnt. In der Ikonographie wird es für die Gewänder von Märtyrern und Propheten verwendet.

Braun: steht für Dichte und fehlende Ausstrahlung. Braun setzt sich aus Rot, Blau, Grün und Schwarz zusammen und wird verwendet, um Erde, Felsen und Gebäude darzustellen. Es wird auch als Symbol für Armut und Entsagung für die dunklen Gewänder von Mönchen und Asketen verwendet.

Schwarz: repräsentiert die Abwesenheit von Leben, es symbolisiert eine Leere. Es ist das Gegenteil von Weiß. Während Weiß die Fülle des Lebens repräsentiert, repräsentiert Schwarz den Mangel daran. Mönche und Mönche des Großen Schemas tragen schwarze Gewänder, als Symbol ihres Verzichts auf alles Materielle.

Gelb: steht für Traurigkeit und wird in der Ikone des Erretters verwendet, die in das Grab gelegt wird. Im Deuteronomium wird es als Zeichen von Unglück, Missernte und Fäulnis erwähnt.

In der Ikonographie wird eine Ikone nicht gemalt, sondern geschrieben. [2] Der Prozess des Schreibens einer Ikone ist lang und mühsam. Viele Stunden, Wochen, manchmal Monate werden in die Erstellung eines Icons investiert, natürlich abhängig von der Größe und Komplexität des Icons. Ein russischer Mönch bemerkte einmal: „Ikonen sind keine bürgerlichen Gemälde. Sie sind nicht für Museen bestimmt. Sie sind keine Dekorationen. Sie sind ein Spiegelbild des menschgewordenen Gottes.

Der Ikonograph hat nicht das Recht, ein Symbol zu ändern, nur um anders und kreativ zu sein. [3] Wie bereits erwähnt, ist die Erstellung einer Ikone nicht die eigene Arbeit des Malers. Er ist eher ein Co-Autor. Im Malerhandbuch, das auf dem Berg Athos aufbewahrt wird, rät der Meister demjenigen, der Ikonenmaler werden möchte, vor der Ikone Christi und der Gottesmutter zu beten, denn die Malerei kommt von Gott, der allein die Führung Malerhand, um den Geheimnissen Gottes Gestalt zu geben.

Die Vorbereitung auf die Arbeit an einer Ikone ähnelt der Vorbereitung auf den Kirchenbesuch: mit Gebeten und Fasten. Eine Ikone zu malen ist ein liturgisches Werk. Die Vorbereitung zum Malen einer Ikone ist wie die Vorbereitung auf die Liturgie. Beginnen Sie immer mit dem Gebet. Das Gebet des Ikonographen lautet: „O göttlicher Herr von allem, was existiert, Du hast den Apostel und Evangelisten Lukas mit Deinem Allerheiligsten Geist erleuchtet und ihn dadurch befähigt, die Allerheiligste Mutter darzustellen, die Dich in ihren Armen hielt und sagte: : „Die Gnade dessen, der aus mir geboren wurde, ist in der ganzen Welt verbreitet.“ Erleuchte und lenke unsere Seelen, unsere Herzen und unseren Geist. Führe die Hände deines unwürdigen Dieners, damit wir deine Ikone würdig und vollkommen darstellen können, die Deiner Heiligen Mutter und aller Heiligen, zur Ehre und zum Schmuck Deiner Heiligen Kirche sie von allem Bösen und unterweisen sie mit gutem Rat. Dies bitten wir durch die Gebete des Allerheiligsten Theotokos, des Apostels Lukas und aller Heiligen, jetzt und immer und bis in alle Ewigkeit."

Es gibt verschiedene Materialien, die zum Erstellen eines Symbols verwendet werden. Am häufigsten wird Holz verwendet. Das Holz muss hart und harzfrei sein, wie zB Birke, Linde oder Zypresse. Bei den meisten Holzplatten werden hinten zwei Keile aus Hartholz waagerecht eingesetzt, um ein Verziehen zu verhindern. Die Oberfläche der Holzplatte wird dann mit einem auf das Holz geklebten Leinentuch abgedeckt und darauf viele Schichten Gesso aufgetragen. (Gesso ist eine spezielle Mischung aus Gips und Leim, die nach dem Aushärten sehr stark ist.) Im Allgemeinen werden sieben Schichten Gesso aufgetragen und jede Schicht nach dem Trocknen geschliffen. Da der Trocknungsprozess eine Weile dauern kann, kann es eine Woche oder länger dauern, die Oberfläche eines Symbols vorzubereiten, bevor mit dem Bemalen begonnen werden kann. Der Endschliff ist sehr wichtig, die Oberfläche muss seidenweich bleiben.

Der nächste Schritt besteht darin, die Zeichnung des Prototyps, der verwendet wird, auf Papier nachzuzeichnen. Anschließend wird die Zeichnung mit Hilfe von Kohlepapier auf das Iconboard übertragen.

Die Zeichnung liegt nun auf der Tafel, und mit einem sogenannten Stylus werden die Konturen der Zeichnung leicht auf die Tafeloberfläche geätzt. Dies geschieht, damit die Konturen nicht unter den verschiedenen Farbschichten verschwinden, die nacheinander aufgetragen werden. Wenn die Oberfläche, auf der das Symbol gemalt wird, kein Gesso hat und die Konturen der Zeichnung nicht darauf geätzt werden können, werden die Konturen mit einer dunklen Farbe überstrichen, damit sie unter den vielen Schichten zu sehen sind überstellen.

Was folgt, ist die Anwendung des Blattgoldes. Blattgold muss vor allem anderen aufgetragen werden. Zum Aufbringen des Blattgoldes wird die Stelle, die das Blattgold aufnehmen soll, mit einer dünnen Schicht Spezialkleber abgedeckt, über die das Blattgold sorgfältig aufgetragen wird. Es gibt verschiedene Arten von Blattgold, die am weitesten verbreitete ist 23k Gold, aber es gibt auch 22k, 18k und 14k Blattgold und es gibt natürlich auch Goldfarben, die manche aus wirtschaftlichen Gründen verwenden können.

Sobald das Blattgold fertig ist, beginnt die eigentliche Arbeit am Symbol. Im Gegensatz zu dem, was in Kunstschulen gelehrt wird, wird die Malerei auf der Ikone von unten nach oben aufgebaut, angefangen bei dunklen Farben bis hin zu sehr hellen Farben. Im Allgemeinen gibt es sieben Farbschichten. Nach dem Auftragen der Basisebene werden die Umrisse neu gezeichnet und die nachfolgenden Ebenen werden als Glanzlichter bezeichnet. Wenn das Symbol fertig ist, werden die Beschriftungen hinzugefügt und dann wird es trocknen gelassen. Je nach verwendetem Medium kann die Trocknungszeit bis zu einigen Monaten dauern.Nach dem Trocknen der Ikone wird eine feine Lack- oder Ölschicht auf die Oberfläche aufgetragen. Wenn das Symbol mit Acryl bemalt ist, wird der Lack auf das Symbol gebürstet und trocknen gelassen, wodurch eine ziemlich widerstandsfähige Oberfläche entsteht. Wenn das Malmedium Eitempera ist, wird gekochtes Leinöl auf die Oberfläche aufgetragen und lässt es die bemalte Oberfläche und das Holz durchdringen, um ebenfalls eine Schutzschicht auf der Vorderseite der Ikone zu bilden und ihr Helligkeit und Tiefe zu verleihen.

Am Anfang schuf Gott Himmel und Erde.

Die Erde war wüst und leer, und Finsternis lag auf der Tiefe, und der Geist Gottes bewegte sich auf dem Wasser. Und Gott sagte: "Es werde Licht" und es wurde Licht. In diesen drei Versen des Buches Genesis spiegeln sich sowohl der Anfang als auch das Ende der Herstellung der Ikone wider. Hier haben wir die spirituelle Bedeutung des Ikonenschreibens: der Prozess des Schreibens einer Ikone, da die Bewegung vom Sein ohne Form zum Sein des Lichts Licht bedeutet das Licht des Lebens. Die Ikone entwickelt sich in den Händen des Ikonographen von einer reinweißen Fläche, auf der der allgemeine Umriss des Menschenbildes keine Form hat, zu einer vollständig verklärten Figur mit einem auf die Ikone geschriebenen Namen.

Der gesamte Schöpfungsprozess wiederholt sich in jeder Ikone: vom Schatten zum Licht, wobei Schicht um Schicht Farbe und Linien hinzugefügt werden, und von einem verdunkelten Gesicht zum verklärten, verwandelten Gesicht einer heiligen Gestalt, die Gott ähnelt.

Der Mensch ist die Krone der Schöpfung Gottes, und er hat sich selbst offenbart, indem er die Gestalt des Menschen in der Menschwerdung seines geliebten Sohnes Jesus Christus, des Wortes Gottes, angenommen hat. Das Wort. „Am Anfang war das Wort und das Wort war Gott und das Wort war bei Gott“ (Joh 1,1). Der Begriff des Wortes bezieht sich nicht nur auf die Gabe des Sprechens und Denkens, sondern auch auf die Gabe des Hörens und Sehens. Deshalb kann Theologie nicht nur im Wort wie in der Heiligen Schrift, sondern auch im Klang wie in der geistlichen Musik und im Bild wie in heiligen Ikonen ausgedrückt werden.

Wir können sagen, dass die Ikonographie Theologie durch Gott das Wort als Bild ist, daher wird die Ikone als eine Form der christlichen Lehre angesehen. Es ist das Wort Gottes, die Heilige Schrift, in Farbe.

Die in der Kirche ausgestellten Ikonen sind mehr als attraktive Kunstwerke oder dekorative Gegenstände, sie gelten nicht einmal als religiöse Kunst, aber da Ikonen religiöse Themen darstellen, können sie als religiöse Kunst eingestuft werden. Tatsächlich ist eine Ikone ein Bindeglied zwischen dem Ewigen und dem Zeitlichen, das dem Anbeter bei seiner eigenen Pilgerfahrt durch dieses irdische Leben hilft.

Die Rolle der Ikonen im Haus eines jeden Gläubigen darf nicht auf die leichte Schulter genommen werden. Ikonen im Haus sind eine Erweiterung der Präsenz des liturgischen Geheimnisses, das wir in der Kirche erfahren. Die Ikone ist ein wesentlicher Bestandteil unseres Gottesdienst-Lebensstils.

Die spirituelle Bedeutung des Symbols

Die Menschheit bewegt sich gleichzeitig in Richtung Selbstzerstörung und sehnt sich nach Wiederherstellung oder genauer gesagt nach Erlösung. Während das Böse immer noch eine Realität ist, die die Lebensweise des Menschen infiziert, weist die Ikone auf eine neue Existenzweise hin. Die in der Ikone dargestellte Person ist eine neue Person, die unabhängig vom Geschlecht ein Spiegelbild des neuen Menschen Jesus Christus ist. Durch die Inkarnation wurde das Unsichtbare sichtbar und das Unabbildbare wahrnehmbar und damit abbildbar. Indem er die menschliche Natur annimmt, öffnet der Sohn Gottes den Weg für die Erneuerung der ganzen Menschheit. Indem der Sohn Gottes die menschliche Natur annimmt, offenbart er die wahre Identität eines jeden Menschen als nach dem Bild und Gleichnis Gottes geschaffen. Die Ikone stellt daher jede Person als ein neues Wesen dar, das zu Gottes Bild und Gleichnis wiederhergestellt wurde. Dafür kann die Ikone zu einem Objekt werden, das beim Betrachter Kontemplation und Gebet hervorruft. Aus diesem Grund kann die orthodoxe Ikonographie nur im Kontext des gemeinsamen Gebets richtig gewürdigt werden, das die Grundlage für ihren Inhalt und ihre Form bildet. Die Ikonographie ist eine Kunst, die aus der liturgischen Feier des Neuen Bundes entspringt, der Eucharistie, die zwischen Gott und den Menschen durch die Menschwerdung Jesu Christi begründet wurde, der sagt: „Siehe, ich mache alles neu“ (2. Kor 5,17).

Die für die Ikonen verwendeten Materialien: Holz, Farbe, Stein, Stoff, Glas, Metall, Elemente der geschaffenen Welt, werden in die Wirklichkeit der Kirche gebracht und erfahren wie jede Person der Gemeinschaft eine Transformation. Die Verwandlung der Materie vollzieht sich gleichzeitig mit der Verklärung und Vergöttlichung des Menschen. Warum ist das Geheimnis der Menschwerdung so groß und so wichtig für uns zu verstehen: Durch seine Menschwerdung hat Gott alle Elemente dieser Erde in seinen Leib aufgenommen, so wie wir sie durch sein Leiden, Sterben und Auferstehung in unserem haben machte sie neu. Durch seine Himmelfahrt hat er sie in den Himmel aufgenommen. In der Ikone sehen wir, was in Zukunft sein wird, durch das, was bereits hier vorhanden ist. Geschichte und Eschatologie werden zusammengeführt. Alles wird als jenseits von Zeit und Raum existierend dargestellt. Alles im Icon liegt auf einer Ebene, Figuren sind lang und dünn, der Schwerpunkt liegt nach oben und nicht nach unten. Die Ikone ist in der Lage, die Befreiung von dem Bösen und Bedrückenden in dieser Welt zu bezeugen und zeigt den Menschen als nach dem Bild und Gleichnis Gottes geschaffen. Dies sagt uns, dass der Mensch die Fähigkeit hat, die Schöpfung zu kennen und zu verändern, weil der Mensch wie Gott in der Lage ist, zu lieben. Durch die Liebe baut der Mensch Beziehungen zu anderen Personen und Dingen auf. Tatsächlich ist dem Menschen die Sorge für das Leben der Schöpfung anvertraut. Die Idee kann noch erweitert werden durch das, was der Beichtvater Maximos über die kosmologische Liturgie sagt, wie alles und jeder durch den Akt der Eucharistie geheiligt wird. Wenn die Liturgie vom Priester und den Menschen im Tempel serviert wird, findet eine Engelsliturgie statt, bei der der Priester darum bittet, dass die Engel gleichzeitig anwesend sind und gemeinsam in das Allerheiligste eintreten. Dann findet die Liturgie auf dem Altar jedes Herzens der Gläubigen statt. Nach St. Maximos feiern die ganze Natur, Vögel, Bäume und Tiere gemeinsam und freuen sich über dieses Fest. Dadurch wird die paradiesische Harmonie vollbracht, damit alle Dinge in Gott bleiben und wachsen können.

Die Schönheit, Harmonie, Einheit und Freude des Lebens – so wie Gott es für uns bestimmt hat – wird durch Hässlichkeit, Spaltung, Entfremdung, Elend und Tod gestört. Durch die Sünde begeben wir uns auf einen Kurs der Selbstzerstörung, daher wird die Kommunikation mit Gott unterbrochen. In einem solchen Zustand beginnt der Mensch einen Prozess der Selbsterhaltung, der alles und jeden missbraucht, einschließlich Gott, wie der heilige Paulus im Römerbrief sagt: "Denn wir haben bereits beschuldigt, dass alle, sowohl Juden als auch Griechen, unter der Macht stehen Sünde, wie geschrieben steht: Keiner ist gerecht, nein, niemand versteht niemand, niemand sucht Gott. Alle haben sich abgewendet, zusammen bist du verkehrt, niemand tut Gutes, nicht einmal ich. Ihre Kehle ist ein offenes Grab, Sie benutzen ihre Zungen, um zu täuschen. Das Gift der Rapfen ist unter ihren Lippen. Ihr Mund ist voller Flüche und Bitterkeit. Ihre Füße sind schnell, um Blut zu vergießen, auf ihren Wegen sind Verderben und Elend, und den Weg des Friedens kennen sie nicht , es gibt keine Gottesfurcht vor ihren Augen" (3:9 - 18).

Wenn die Ikone ein Mittel der Kontemplation und des Gebets sein soll, muss der davorstehende bereit sein, in einen Prozess der Reue einzutreten, der schmerzhaft sein kann. Wenn wir vor der Ikone stehen und sie als das sehen, was sie ist, erkennen wir den Zustand der Zerbrochenheit, in dem wir uns befinden, und unsere Entfremdung von Gott. Die Betrachtung der Ikone erfordert Buße, die eine Bekehrung von dieser Selbstzerstörung zum Leben ist. Wenn wir die Ikone in Stille betrachten können, werden wir in einen Zustand der Trauer und Freude eintreten. Trauer über den schlechten Zustand unseres geistlichen Lebens und die Notwendigkeit von Veränderungen. Wenn wir eine Beziehung zur Ikone aufbauen, nehmen wir mit unserem Verstand und unseren Sinnen wahr, wie das innere Licht der Ikone die innere Dunkelheit unserer Seele enthüllt und uns ermutigt, in dieses Licht einzutreten. Wenn wir zu diesem Verständnis gekommen sind, treten wir in die Freude der Auferstehung ein, die zu uns kommt, wenn wir nicht mehr für uns selbst leben, sondern bereit und bereit sind, unser Leben für unseren Nächsten aufzugeben, wir sind bereit, mit dem hl. Paulus zu sagen: ". Nicht mehr ich lebe, sondern Christus lebt in mir“ (Gal 2,20).

In Gegenwart einer guten Ikone bewegen wir uns von der Kontemplation zum Gebet. Tatsächlich heißt es, eine gute Ikone sei eine, die zum Gebet anregt. Gebet erfordert Askese. Die betende Askese wird zu einem Heilungsprozess, in dem alles, was uns von Gott entfremdet hat, zu einem Mittel der Gemeinschaft mit Gott wird. Der Geist, die Seele, das Herz, der Körper und der Wille der Person, die betet, werden still, aufmerksam, eingestimmt und friedlich, ständig empfänglich für die Gegenwart Gottes.

Wenn wir vor einer Ikone beten, treten wir in Gemeinschaft mit dem Prototyp der Ikone ein. Dies wird die Erfüllung des Gebets Christi: „Damit sie alle eins seien, wie du, Vater, in mir bist, und ich in dir, damit sie auch in uns eins seien“ (Joh 17,21). Der hl. Isaak der Syrer beschreibt die Person, die betet, als jemanden, der unerschütterliche Liebe und intensives Mitgefühl besitzt. Das Herz eines solchen Menschen brennt für die ganze Schöpfung, für Menschen, Vögel, Tiere, Dämonen und alle Geschöpfe. Die Ikone und derjenige, der die in der Ikone dargestellte Realität betritt, zeugen von der Ausrottung des Bösen, das die Errungenschaften des Menschen infiziert hat. Dem Asketen, der betet, vermittelt die Ikone den Sinn des Lebens. Materie und Geist, Himmel und Erde, sind beide in der Ikone vereint und in demjenigen, der in die von ihr kommunizierte Realität eingetreten ist. Schon in der Gegenwart beginnen sie, die Zukunft der Schöpfung zu manifestieren, wenn Gott alles in allem sein wird.

Das Oxford Dictionary of Byzanz. 3 Bd. Oxford University Press, 1991, Oxford.

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[1] Anmerkung des Herausgebers: 2 Königreiche in der Septuaginta LXX

[2] Anmerkung des Herausgebers: Die Aussage, dass Symbole geschrieben und nicht gemalt sind, ist eine Meinung, keine Tatsache. Andere Ansichten finden Sie hier: http://orthodoxwiki.org/Icon#.22Written.22_or_.22painted.22.3F

[3] Anmerkung der Redaktion: Der Ikonograph Nikolai Tsai bemerkt: Aber was ist, wenn der Prototyp defekt ist? Ich erwähne die Ikonen der Hochzeit zu Kana, wo Elemente oft dem Evangelium widersprechen. In solchen Fällen glaube ich, dass der Ikonograph nicht nur das Recht, sondern auch die Pflicht hat, das Symbol zu ändern, um den Fehler zu korrigieren.


Hintergrund und Entwicklung

Das erste FedEx-Logo erblickte 1971 das Licht der Welt. Das Emblem trug den vollständigen Firmennamen „Bundesexpress“ in einem durch eine diagonale Linie zweigeteilten Rechteck. Die Farbpalette des Unternehmens umfasste drei Farbtöne (Blau, Rot und Weiß), die die Ideen von Macht und Professionalität darstellten. Dieses spezielle Farbschema sollte darauf aufmerksam machen, dass FedEx sowohl ehemalige Angestellte der US-Regierung als auch einfache Leute eingestellt hat.

1994 überarbeitete die Marke ihr Logo. Die Geschäftsführung entschied sich, den langen Firmennamen abzuschaffen, um Einfachheit zu erreichen und negative Assoziationen durch das Wort „föderal“ zu vermeiden. Aus fast 200 Optionen wählten die Designer diejenige mit idealen Proportionen und ausgewogenen Farben aus. FedEx ist dem Emblem seitdem treu geblieben.


Quelle: von logodix

Die Bedeutung traditioneller japanischer Tattoos

Es gibt eine Reihe von Bildern und Symbolen, die im japanischen Tätowierstil verwendet werden, um bestimmte Bedeutungen zu vermitteln. Diese Bilder werden verwendet, um die Überzeugungen, Bestrebungen oder Charaktereigenschaften einer Person zu vermitteln. Diese als „Motive“ bezeichneten Gestaltungselemente sollen überall, wo sie verwendet werden, die gleiche Bedeutung haben, damit die Bedeutung nicht für den Einzelnen eindeutig ist. Das bedeutet, dass jeder, der das Tattoo sieht, sofort die Bedeutung und das, was der Träger vermitteln möchte, erkennen kann, seien es Persönlichkeitsmerkmale, Charaktereigenschaften oder die Verbindung zu einer kriminellen Organisation.

Japanische Drachentattoos:

Tattoo Bedeutung: Weisheit, Kraft, Kraft zum Guten, Wind/Wasser

Drachen im Westen symbolisieren traditionell Stärke, Wildheit und Reichtum. Sie sind eine zerstörerische Kraft, gelten aber auch als Wächter. Die Japaner und der Osten im Allgemeinen sehen Drachen anders. In der traditionellen japanischen Tätowierkunst sind Drachen großzügige, wohlwollende Kräfte, die ihre Kraft einsetzen, um der Menschheit Gutes zu tun. Weisheit ist eine weitere Eigenschaft, die Drachen zugeschrieben wird. Diese positiven Konnotationen haben Drachentattoos zu den beliebtesten Tattoos im japanischen Stil gemacht.

Koi-Tattoos:

Tattoo Bedeutung: Entschlossenheit, Stärke, Mut, Erfolgswille, Wasser

Japanische Tätowierungen von Koi-Fischen sind ein weiteres der beliebtesten Tattoo-Designs in der traditionellen japanischen Tattoo-Kunst. Koi sind eine speziell gezüchtete Karpfenart, ein Fisch, der in China beheimatet ist, wo die Koi eigentlich ihren Ursprung haben. Koi werden in der traditionellen östlichen Folklore maskuline Qualitäten wie Stärke und Tapferkeit verliehen. Es war bekannt, dass die Koi in China versuchten, im Gelben Fluss stromaufwärts zu schwimmen, aber nur sehr wenige konnten an einem Punkt vorbeischwimmen, der als "Drachentor" bekannt ist. Koi, die es taten, wurden dafür belohnt, dass sie sich in Drachen verwandelten. Aus diesem Grund symbolisieren Koi auch Entschlossenheit und den starken Wunsch, erfolgreich zu sein und „etwas mehr“ zu werden.

Phoenix-Tattoos:

Tattoo Bedeutung: Wiedergeburt, Triumph, Feuer

Dieses Tattoo hat, wie viele andere japanische Tattoos, einen gemeinsamen Hintergrund mit anderen Kulturen. Die meisten von uns kennen die Geschichte des Phönix, eines Vogels, der vom Feuer verzehrt wird und dann aus seiner eigenen Asche aufersteht. Viele sind sich nicht bewusst, dass die Geschichte in vielen Kulturen und zu vielen Zeiten im Laufe der Geschichte existiert, einschließlich der griechischen und römischen Mythologie, der nahöstlichen Folklore und sogar in Amerika. Die japanische Phönix-Geschichte bezieht ihre Quelle aus der Geschichte, die auf dem chinesischen Festland beheimatet ist. Unabhängig von ihrer Herkunft sollen Phönix-Tattoos Wiedergeburt und Triumph sowie eine Erneuerung und einen Wiederaufbau des eigenen Selbst symbolisieren.

Tiger-Tattoos:

Tattoo Bedeutung: Stärke, Mut, Beschützer gegen Pech, böse Geister und Krankheiten, Wind

Das japanische Tigertattoo trägt die gleichen Eigenschaften, die wir dem echten Tier zuschreiben – Stärke und Mut, aber auch langes Leben. Das Tiger-Tattoo wird auch verwendet, um böse Geister und Pech sowie Krankheiten abzuwehren. Der Tiger ist ein Symbol sowohl für den Norden als auch für den Herbst, er soll den Wind kontrollieren und er ist eines der vier heiligen Tiere.

Löwen- oder Fu-Hund-Tattoos:

Tattoo Bedeutung: beschützend, stark, mutig, viel Glück, Heldentum

Dieses Tattoo ähnelt sowohl einem Löwen als auch einem Hund. Genauer gesagt sieht es aus wie ein Löwe mit spitzen Ohren. Sie gelten als schützend, stark und mutig. Als Statuen dienen sie dazu, das Böse fernzuhalten, als Tätowierungen dienen sie als Beschützer und weisen oft auf einen mutigen Menschen mit heroischen Ambitionen hin.

Japanische Schlangen-Tätowierung:

Tattoo Bedeutung: Schutz, Weisheit, Glück, Stärke und Veränderung

In traditionellen japanischen Tattoos hat die Schlange eine Vielzahl von Bedeutungen und erfüllt eine Reihe wichtiger Funktionen. Zu seinen vielen Attributen gehört der Schutz vor Krankheit, Katastrophen und Unglück. Schlangen-Tattoos stehen auch für Weisheit und Schutz, insbesondere vor den Folgen schlechter Entscheidungen. Die Schlange kann auch Regeneration, Heilung und Medizin verkörpern, wie sie in der japanischen Kultur in Verbindung mit medizinischen Riten und Heilmitteln verehrt wurde. Als Glückssymbol sollte es auch gute Gesundheit bringen.

Das japanische Schlangentattoo repräsentiert auch das Göttliche Weibliche oder die heiligen weiblichen Attribute. Es wurde angenommen, dass eine Frau die positiven Eigenschaften eines Mannes genauso annehmen kann, wie sich eine Schlange häutet. Scheint ein wenig sexistisch zu sein, aber es war immerhin das alte Japan.

Japanische Schädel Tattoos:

Tattoo Bedeutung: Leben, Tod, Veränderung, Ehrfurcht vor Toten/Vorfahren

Obwohl das Bild des menschlichen Schädels in einem Großteil der Tattoo-Kultur und -Kunst im Allgemeinen eine negative Konnotation hat (wie Tod, Gefahr und ein schlechtes Schicksal), sollte der in japanischen Tätowierungen verwendete Schädel eine positive Darstellung von . sein der natürliche Lebenszyklus.

Traditionell steht das japanische Schädeltattoo für Veränderung, was Sinn macht, da der Tod die größte Veränderung ist, die ein Mensch erleben kann.

Japanische Blumentattoos:

Japanische Blumentattoos haben eine Vielzahl von Bedeutungen und sind ein sehr wichtiges und hochgeschätztes Design in der traditionellen japanischen Tattoo-Kunst. Der Einfachheit halber haben wir die Informationen über japanische Blumentattoos in unseren Blumentattoos-Bereich aufgenommen.

Oni/ Oni Maske/ Dämonenmaske Tattoo:

Tattoo Bedeutung: Gut und Böse, Beschützer, Trickster, Dämonen

Das Oni-Masken-Tattoo in japanischen Tattoos ist sehr verbreitet und bezieht sich auf den Glauben an eine Geisterwelt, in der Dämonen ihre Rolle erfüllen, Ungerechte und Böse zu bestrafen sowie Krankheiten zu verbreiten (scheint eine zufällige Sache zu sein, für die man verantwortlich ist, aber Ich denke, es passt zu dem ganzen bösartigen Geschäft).

Während Oni dafür bekannt sind, böse zu sein, sind einige Oni gut und werden als Beschützer angesehen. Ein Beispiel dafür wäre ein Mönch, der nach dem Tod ein Oni wird, um seinen Tempel zu schützen. Auf Englisch wird das Wort Oni am besten mit Oger oder Troll übersetzt (das japanische Wort für „Dämon“ ist eigentlich „yokai“). Oni, in der traditionellen japanischen Folklore, wir marodierenden Oger, die dafür bekannt sind, Dörfer zu terrorisieren und Dorfbewohner zu quälen. Ihre Verbindung mit Dämonen in der japanischen Tattoo-Kunst hat mehr damit zu tun, dass Oger in das Reich der übernatürlichen Kreaturen (zusammen mit Yokai) eingeordnet werden als alles andere. Dennoch gilt die Symbolik, da die Bilder des marodierenden Ogers nicht weit von der Idee des bösen Geistes entfernt sind, den das Tattoo vermitteln soll.

Wasser-/Wellen-Tattoos:

Tattoo Bedeutung: Bewegung, Kraft, Flüssigkeit, Leben

Viele japanische Tattoos enthalten Wasser. Insbesondere Wellen sind ein Element der japanischen Tattoo-Kunst, das vielleicht zu den bekanntesten gehört (denken Sie an traditionelle japanische Künstler wie Hokusai). Das Bild von Wasser in traditionellen japanischen Tattoos wird oft mit Koi, Drachen oder Oni kombiniert. Wasser-Tattoos symbolisieren nicht nur Kraft und Leben, sondern vermitteln auch den Glauben, dass das Leben wie Wasser Ebbe und Flut ist. Es ist stark und schnell, wenn es nötig ist, kann aber auch sanft und ruhig sein.


Pentagramme, Agrippa und die Pythagoräer

Heinrich Cornelius Agrippa hat die fünf Punkte des Pentagramms nicht nur den fünf neuplatonischen Elementen zugeordnet, sondern auch fünf klassischen Planeten zugeordnet. Unten ist eine Abbildung des Pentagramms des „menschlichen Körpers“ mit Mars, Saturn, Venus, Jupiter und Merkur zu sehen. Diese fünf Planeten hätten auch alchemistische Assoziationen gehabt.

Bemerkenswert ist auch das pythagoräische „γιεια“-Pentagramm oder „Gesundheits“-Pentagramm, das zusätzlich zum „menschlichen Körper“-Pentagramm in Agrippas . zu finden ist De Occulta Philosophia libri III (1533). Das Pentagramm „Gesundheit“ wird mit dem Pythagoreismus in Verbindung gebracht, einer mystisch-philosophischen Schule des antiken Griechenlands.

Während der Einfluss des Pythagoras auf Agrippa schwer zu bestimmen ist, ist es klar, dass er von ihnen wusste und sie in „De Occulta”.

„Demokrit und Orpheus und viele Pythagoräer, die mit größter Sorgfalt die Tugenden der himmlischen Dinge und die Natur der niederen Dinge erforscht hatten, sagten: Dass alles von Gott erfüllt ist und nicht ohne Grund. Denn es gibt nichts von solch überragenden Tugenden, die ohne göttlichen Beistand mit der Natur ihrer selbst zufrieden sind.“ — Heinrich Cornelius Agrippa, De Occulta Philosophia libri III


Was ist der Ursprung und die Bedeutung des Pentagramms?

Das Pentagramm wurde seit Beginn der aufgezeichneten Geschichte auf der ganzen Welt als religiöses Symbol verwendet. Das grundlegendste Pentagramm ist einfach ein fünfzackiger Stern, der mit einer durchgehenden Linie gezeichnet ist, die in fünf Liniensegmente unterteilt ist und wobei eine Spitze des Sterns nach oben zeigt. Wenn wir heute jedoch „Pentagramm“ sagen, meinen wir normalerweise „einen fünfzackigen Stern, um den ein oder zwei Kreise gezogen sind“. Manchmal enthält ein solches Symbol andere kleine Markierungen, die auf eine bestimmte Art hinweisen magisches Siegel (ein Symbol, das in Zaubersprüchen verwendet wird). Ein umgekehrtes Pentagramm zeigt den Stern „verkehrt herum“, d. h. mit einer Spitze nach unten und zwei nach oben. Welche Form auch immer verwendet wird, dem Pentagramm wird seit jeher eine fünfteilige Symbolik zugeordnet.

Das Pentagramm wurde in alten chinesischen und japanischen Religionen verwendet, um die fünf Elemente des Lebens zu symbolisieren. In der japanischen Kultur galt das Symbol auch als magisch. Die alte babylonische Kultur verwendete das Pentagramm auch, um verschiedene Götter und eigene religiöse Überzeugungen darzustellen.

In der christlichen Symbolik wurde das Grundpentagramm (ohne Kreis) ursprünglich verwendet, um die fünf Wunden Jesu Christi darzustellen. Es wurde bald durch das Symbol des Kreuzes ersetzt, aber das Pentagramm war noch einige hundert Jahre nach der Auferstehung Jesu als christliches Symbol erkennbar. Einige sagen, dass die durchgehende Linie auch als Symbol für das Alpha und das Omega angesehen wurde.

Die christlich geprägte Wissenschaft in Europa während der Aufklärung entdeckte Pythagoras’ Interesse am Pentagramm, das den Goldenen Schnitt enthält, wieder. Pythagoras' Studium ging jedoch über die Mathematik hinaus, da er die fünf antiken Elemente den fünf Punkten des Sterns zuordnete: Erde, Wasser, Luft und Feuer auf den vier unteren Punkten und Geist auf dem obersten Punkt. Je nach Mythologie deutete diese Anordnung meist auf die richtige Ordnung der Welt hin, wobei materielle Dinge dem Geist unterworfen waren. Auch die Freimaurer und die Eastern Star Organization haben dieses pythagoräische Pentagramm verwendet und oft auch ihre eigenen Symbole hinzugefügt.

In Wicca und verschiedenen Formen der „weißen Magie“ gilt das eingekreiste, aufrechte Pentagramm als Symbol, das eine Art Schutz bietet. Heidnische und neuheidnische Gruppen verwenden das Pentagramm in allen Arten von Ritualen und Ornamenten, weil es die Unendlichkeit, die Bindung der fünf Elemente und den Schutz des Selbst symbolisiert.

Mitte des 19. Jahrhunderts erklärte ein Magieforscher in einem Buch, dass das umgekehrte Pentagramm ein Symbol des Bösen sei, weil es eine Umkehrung der natürlichen Ordnung darstelle und die Materie über die Geistige Welt lege. Seitdem hat das umgekehrte Pentagramm Assoziationen mit okkulten Praktiken und schwarzer Magie. Die Church of Satan verwendet das umgekehrte Pentagramm als Teil ihres urheberrechtlich geschützten Logos und fügt einen Ziegenkopf hinzu, der vom Stern umrahmt wird.

Heute taucht das Pentagramm in Horrorfilmen, Thrillern und Krimis auf und verstärkt die Verbindung des Symbols mit Neuheidentum, schwarzer Magie und Okkultismus. Natürlich ist an einem Stern nichts auszusetzen, und das Pentagramm selbst enthält keine inhärente Kraft. Es wurde auf vielfältige Weise von vielen verschiedenen Kulturen verwendet, einschließlich des Christentums. Es sollte nicht an sich gefürchtet werden, obwohl wir uns dessen bewusst sein sollten, was andere Menschen dadurch kommunizieren.


Mittelalterliche anatomische Zeichnungen mit Herzform

Während die Silphium-Theorie überzeugend ist, können die wahren Ursprünge der Herzform einfacher sein. Gelehrte wie Pierre Vinken und Martin Kemp haben argumentiert, dass das Symbol seine Wurzeln in den Schriften von Galen und dem Philosophen Aristoteles hat, der das menschliche Herz als drei Kammern mit einer kleinen Delle in der Mitte beschrieb

Nach dieser Theorie könnte die Herzform geboren worden sein, als Künstler und Wissenschaftler des Mittelalters versuchten, Darstellungen alter medizinischer Texte zu zeichnen. Im 14. Jahrhundert beispielsweise fertigte der italienische Physiker Guido da Vigevano eine Reihe anatomischer Zeichnungen mit einem Herzen an, das dem von Aristoteles beschriebenen sehr ähnelt. 

Da das menschliche Herz seit langem mit Emotion und Genuss in Verbindung gebracht wird, wurde die Form schließlich als Symbol für Romantik und mittelalterliche höfische Liebe kooptiert. Besonders beliebt wurde es in der Renaissance, als es in der religiösen Kunst zur Darstellung des Heiligen Herzens Christi und als eine der vier Farben in Spielkarten verwendet wurde. Im 18. und 19. Jahrhundert war es mittlerweile ein wiederkehrendes Motiv in Liebesbriefen und Valentinstagskarten.


Die zufällige Geschichte des @-Symbols

Von den Italienern “Snail” und von den Niederländern “Monkey Tail” genannt, ist @ dank E-Mail-Adressen und Twitter-Handles die unabdingbare Voraussetzung für die elektronische Kommunikation. @ wurde sogar in die ständige Sammlung des Museum of Modern Art aufgenommen, das seine moderne Verwendung als Beispiel für “Eleganz, Ökonomie, intellektuelle Transparenz und ein Gefühl für die möglichen zukünftigen Richtungen, die in die Kunst unserer Zeit eingebettet sind, anführte Zeit.”

Verwandte Inhalte

Der Ursprung des Symbols selbst, eines der anmutigsten Zeichen auf der Tastatur, ist ein Rätsel. Eine Theorie besagt, dass mittelalterliche Mönche, die beim Kopieren von Manuskripten nach Abkürzungen suchten, das lateinische Wort für  “toward”— . umwandeltenAnzeige—to “a” mit dem hinteren Teil des “d” als Schwanz. Oder es kam vom französischen Wort für “at”—à—und Schreiber, die nach Effizienz strebten, strichen mit der Feder des Stiftes über die Oberseite und die Seite. Oder das Symbol entwickelte sich aus einer Abkürzung von “each at”—the “a”, das von einem “e umhüllt wird.”  Die erste dokumentierte Verwendung war 1536 in einem Brief von Francesco Lapi, ein florentinischer Kaufmann, der mit @ Weineinheiten bezeichnete, die Amphoren genannt wurden und in großen Tonkrügen versandt wurden.

Später nahm das Symbol eine historische Rolle im Handel ein. Händler verwenden es seit langem, um “ zum Preis von”—wie in 󈫼 Widgets zu 1 $ zu signalisieren. (Dass die Summe 12 $ und nicht 1 $ beträgt, spricht für die zentrale Bedeutung des Symbols.) Trotzdem , das Maschinenalter war nicht so freundlich zu @. Die ersten Schreibmaschinen, die Mitte des 19. Jahrhunderts gebaut wurden, enthielten kein @. Ebenso gehörte @ nicht zu der symbolischen Reihe der frühesten Lochkarten-Tabulatorsysteme (die erstmals beim Sammeln und Verarbeiten der US-Volkszählung von 1890 verwendet wurden), die Vorläufer der Computerprogrammierung waren.

Die moderne Dunkelheit des Symbols endete 1971, als ein Informatiker namens Ray Tomlinson vor einem nervigen Problem stand: Wie man Leute, die Computer programmierten, miteinander verbinden konnte. Zu dieser Zeit war jeder Programmierer typischerweise über eine Telefonverbindung mit einem bestimmten Großrechner verbunden und ein Fernschreiber – im Grunde eine Tastatur mit integriertem Drucker. Diese Computer waren jedoch nicht miteinander verbunden, ein Mangel, den die US-Regierung zu überwinden suchte, als sie BBN Technologies, das Unternehmen in Cambridge, Massachusetts, für das Tomlinson arbeitete, engagierte, um bei der Entwicklung eines Netzwerks namens Arpanet, dem Vorläufer des Internets, zu helfen.

Tomlinsons Herausforderung bestand darin, eine Nachricht zu adressieren, die von einer Person erstellt und über das Arpanet an einen anderen Computer gesendet wurde. Die Adresse benötige den Namen einer Person, argumentierte er, sowie den Namen des Computers, der viele Benutzer bedienen könnte. Und das Symbol, das diese beiden Adresselemente trennt, konnte in Programmen und Betriebssystemen nicht bereits weit verbreitet sein, damit Computer nicht verwechselt werden.

Tomlinsons Augen fielen auf @, über  “P” auf seinem Fernschreiber Modell 33. “Und es gab nicht viele Optionen—ein Ausrufezeichen oder ein Komma. Ich hätte ein Gleichheitszeichen verwenden können, aber das hätte nicht viel Sinn gemacht.” Tomlinson entschied sich für @—“und bewahrte es wahrscheinlich davor, den Weg des ‘cent’-Zeichens auf Computertastaturen zu gehen,” er sagt. Mit seinem Namenssystem schickte er sich selbst eine E-Mail, die von einem Fernschreiber in seinem Zimmer über Arpanet und zurück zu einem anderen Fernschreiber in seinem Zimmer ging.

Tomlinson, der immer noch bei BBN arbeitet, sagt, er erinnere sich nicht mehr daran, was er in dieser ersten E-Mail geschrieben hatte. Aber das passt, wenn, wie Marshall McLuhan argumentierte, „Das Medium ist die Botschaft“.


Was ist die Symbolik des griechischen Schlüsseldesigns?

Das griechische Schlüsseldesign symbolisiert die Unendlichkeit oder den ewigen Fluss des Lebens. Es kann auch Wellen, die vier Himmelsrichtungen, die vier Jahreszeiten und Schlangen darstellen. Das Design wurde "Mäander" genannt, nachdem der Mäander in der heutigen Türkei gewunden und gewendet wurde. Es war das wichtigste Symbol, das im antiken Griechenland verwendet wurde.

Die Form des Symbols – sowohl abgewinkelt als auch abgerundet – wurde als dekoratives Motiv in der Architektur, in Mosaikfliesen und zur Einfassung von Steinsäulen verwendet. Tempel wurden weithin mit dem Mäander-Design verziert, und es ist in der griechischen und römischen Kunst üblich. Möbelhandwerker bauen den Mäander oft in ihre Holzschnitzereien ein. Schmuckdesigner sehen im griechischen Schlüssel die ewigen Bande der Freundschaft und Liebe. Tätowierer verwenden es, um eine Reise zu signalisieren, für die kein bestimmtes Ziel geplant ist.

Einige Historiker glauben, dass das griechische Schlüsselsymbol aus dem Mythos des Labyrinths stammt, einem Gartenlabyrinth, das aus geradlinigen Wegen besteht, die durch hohe heckenartige Vegetation getrennt sind. Es wurde vor allem mit der Legende von Jason in Verbindung gebracht, einem Seefahrer, der eine Gruppe abenteuerlustiger Helden anführte, die als "Argonauten" bekannt sind. Die griechische Kultur hatte viele Verbindungen zum Meer, und mäanderndes Wasser durchdrang ihr tägliches Leben und ihre Gedanken.


Jones Geschichte, Familienwappen & Wappen

Während die Vorfahren der Träger von Jones aus alten walisisch-keltischen Ursprüngen stammten, hat der Name selbst seine Wurzeln im Christentum. Dieser Nachname leitet sich vom Personennamen John ab, der vom lateinischen Johannes abgeleitet ist und bedeutet "Jahwe ist gnädig".

Dieser Name war in Großbritannien schon immer gebräuchlich und konnte sich zu Beginn des 14. Jahrhunderts in seiner Popularität mit William messen. Die weibliche Form Joan oder Johanna auf Latein war ebenfalls beliebt, und der Nachname Jones kann entweder vom männlichen oder weiblichen Vornamen abgeleitet werden. "Obwohl er seinen Ursprung in England hat, wird der Nachname aufgrund der überwältigenden Verwendung von Patronymen in Wales ab dem 16. John Jones ist wahrscheinlich die häufigste Namenskombination in Großbritannien.“ [2]

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Frühe Ursprünge der Familie Jones

Der Nachname Jones wurde erstmals in Denbighshire (walisisch: Sir Ddinbych) gefunden, einer historischen Grafschaft im Nordosten von Wales, die durch den Laws in Wales Act 1536 geschaffen wurde, wo sich ihr alter Familiensitz in Llanerchrugog befand.

Der Name Jones, derzeit einer der produktivsten der Welt, stammt aus drei Hauptquellen: von Gwaithvoed, Lord Cardigan, Häuptling eines der 15 Adelsstämme von Nordwales im Jahr 921 von Bleddyn Ap Cynfyn, König von Powys und von Dyffryn Clwyd, ein Häuptling von Denbighland.

Alle drei Linien fusionierten in Denbighshire um das 11. Jahrhundert und es ist nicht bekannt, welche der drei als der Hauptzweig der Familie angesehen werden kann. Später wagte sich ein Teil der Familie nach England. "[Die Gemeinde Astall in Oxfordshire] war früher die Residenz von Sir Richard Jones, einem der Richter des Court of Common Plädoyer unter der Herrschaft von Charles I. und es gibt noch einige Überreste des alten Herrenhauses in der Nähe der Kirche , die jetzt in ein Bauernhaus umgewandelt werden." [3]

"Llanarth Court [in Monmouthshire], der bewunderte Sitz von John Jones, Esq., ist ein schönes und geräumiges Herrenhaus, dessen Vorderseite mit einem eleganten Portikus verziert ist, der dem des Tempels von Pæstum ähnelt."

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Frühgeschichte der Familie Jones

Diese Webseite zeigt nur einen kleinen Auszug unserer Jones-Recherche. Weitere 58 Wörter (4 Textzeilen) für die Jahre 1578, 1658, 1638, 1712, 1610, 1673, 1656, 1660, 1618, 1674, 1650, 1656, 1605, 1681, 1645, 1637, 1649, 1628, 1697, 1550, 1619, 1589, 1643, 1669, 1640, 1643 und sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History Produkten und Printprodukten unter dem Thema Early Jones History enthalten.

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Jones Rechtschreibvariationen

Walisische Nachnamen sind relativ selten, aber sie haben eine unverhältnismäßig große Anzahl von Schreibweisen. Es gibt viele Faktoren, die das Übergewicht der walisischen Varianten erklären, aber der früheste wird im Mittelalter gefunden, als walisische Nachnamen verwendet wurden. Schriftgelehrte und Kirchenbeamte zeichneten Namen so auf, wie sie klangen, was oft dazu führte, dass der Name einer einzelnen Person zu Lebzeiten inkonsistent aufgezeichnet wurde. Die Transliteration walisischer Namen ins Englische erklärt auch viele der Schreibvarianten: Die einzigartige keltische Brythonic-Sprache der Waliser hatte viele Laute, die die englische Sprache nicht genau wiedergeben konnte. Es war auch üblich, dass Mitglieder eines gleichen Nachnamens ihren Namen leicht änderten, um eine Zweigtreue innerhalb der Familie, eine religiöse Zugehörigkeit oder sogar patriotische Zugehörigkeit zu signalisieren. Aus all diesen Gründen sind die vielen Schreibvarianten bestimmter walisischer Namen sehr wichtig. Der Nachname Jones wurde gelegentlich Jones, Jonas, Jone, Joness und andere geschrieben.

Frühe Notabeln der Familie Jones (vor 1700)

Prominent unter der Familie im späten Mittelalter waren Gwaithvoed Lord Cardigan, Bleddyn Ap Cynfyn und Dyffryn Clwyd Jones, die drei Patriarchen der Familie Jones John Jones of Gellilyfdy (ca. 1578-c.1658), ein walisischer Anwalt, Antiquar, Kalligraph, Manuskriptsammler und Schreiber Richard Jones (1638-1712), erster Earl of Ranelagh Sir Samuel Jones (1610-1673), ein englischer Politiker, der 1656 und 1660 im House of Commons saß, Oberst Philip Jones (1618-1674), ein walisisches Militär.
Weitere 74 Wörter (5 Textzeilen) sind unter dem Thema Early Jones Notables in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten, wo immer möglich, enthalten.

Migration der Familie Jones nach Irland

Ein Teil der Familie Jones ist nach Irland gezogen, aber dieses Thema wird in diesem Auszug nicht behandelt.
Weitere 143 Wörter (10 Textzeilen) über ihr Leben in Irland sind, wo immer möglich, in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten enthalten.

Jones-Migration +

Einige der ersten Siedler dieses Familiennamens waren:

Jones-Siedler in den Vereinigten Staaten im 17. Jahrhundert
  • Chadwallader Jones, der 1623 in Virginia landete [4]
  • Alexander Jones, der 1631 in Neuengland ankam [4]
  • Alice Jones, die 1635 in Boston ankam
  • Charles Jones und Humphrey Jones, die sich beide 1636 in Virginia niederließen
  • Anne Jones, die sich 1648 in Virginia niederließ
  • . (Weitere sind in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten verfügbar, wo immer dies möglich ist.)
Jones-Siedler in den Vereinigten Staaten im 18. Jahrhundert
  • David Jones, der 1712 in Boston, Massachusetts ankam [4]
  • Arthur Jones, der 1724 in Virginia ankam [4]
  • Cornelius Jones, der 1732 in Georgia ankam [4]
  • Roger Jones, der 1738 in South Carolina ankam
Jones-Siedler in den Vereinigten Staaten im 19. Jahrhundert
  • Christian Jones, der 1801 in Pennsylvania landete [4]
  • William Jones, der 1815 in New York landete [4]
  • James Jones, der 1816 in Puerto Rico ankam [4]
  • Sarah Jones, die sich 1821 in New York niederließ
  • Caroline Jones, die 1824 in New York landete [4]
  • . (Weitere sind in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten verfügbar, wo immer dies möglich ist.)

Jones Migration nach Kanada +

Einige der ersten Siedler dieses Familiennamens waren:

Jones-Siedler in Kanada im 18. Jahrhundert
  • Herr Ebenezer Jones Jr., U.E. (geb. 1720) aus New York, USA, der sich im Home District, Saltfleet Township [Hamilton], Ontario, niederließ. 1780 diente er bei den Orange Rangers, verheiratet mit Sarah Lockwood hatten sie 5 Kinder [5]
  • Capt. John Jones U.E., alias "Mahogany Jones", geboren in Maine, USA aus Pownalborough, der sich auf Grand Manan Island, Charlotte County, New Brunswick c. 1780 diente er bei den Rangers, Mitglied der Port Matoon Association sowie der Penobscot Association [5]
  • Herr Garret Jones U.E. der sich in Belle Vue, Beaver Harbour, New Brunswick c niederließ. 1783 [5]
  • Herr Thomas Jones U.E. der am 26. Oktober 1783 in Port Roseway [Shelburne], Nova Scotia ankam, war Passagier Nummer 290 an Bord des Schiffes "HMS Clinton", abgeholt am 28. September 1783 in Staten Island, New York [5]
  • Frau Hannah Jones U.E.der am 26. Oktober 1783 in Port Roseway [Shelburne], Nova Scotia, ankam, war Passagier Nummer 319 an Bord des Schiffes "HMS Clinton", abgeholt am 28. September 1783 in Staten Island, New York [5]
  • . (Weitere sind in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten verfügbar, wo immer dies möglich ist.)
Jones Siedler in Kanada im 19. Jahrhundert
  • Ty. Jones, 50 Jahre alt, ein Bauer, der 1833 an Bord des Schiffes "John" aus Liverpool, England, in Saint John, New Brunswick ankam
  • John Jones, 24 Jahre alt, ein Bauer, der 1833 an Bord des Schiffes "John" aus Liverpool, England, in Saint John, New Brunswick ankam
  • Robert Jones, 20 Jahre alt, ein Arbeiter, der 1833 an Bord des Schiffes "Billow" in Saint John, New Brunswick ankam
  • Richard Jones, der 1834 an Bord des Schiffes "Protector" in Saint John, New Brunswick ankam
  • William Jones, 19 Jahre alt, kam 1834 an Bord des Schiffes "Highlander" in Saint John, New Brunswick an
  • . (Weitere sind in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten verfügbar, wo immer dies möglich ist.)

Jones Migration nach Australien +

Die Auswanderung nach Australien folgte den First Fleets von Sträflingen, Händlern und frühen Siedlern. Zu den frühen Einwanderern zählen:

Jones-Siedler in Australien im 18. Jahrhundert
  • Miss Ann Jones, englische Sträfling, die in Shropshire, England für 7 Jahre verurteilt wurde, wurde am 18. Juli 1798 an Bord der Britannia III transportiert und erreichte New South Wales, Australien[6]
  • Miss Elizabeth Jones, englische Gefangene, die in Hereford, Herefordshire, England für 7 Jahre verurteilt wurde, wurde am 18. Juli 1798 an Bord der "Britannia III" transportiert und erreichte New South Wales, Australien[6]
Jones Siedler in Australien im 19. Jahrhundert
  • Mr. George Jones, britischer Sträfling, der in Middlesex, England, lebenslänglich verurteilt wurde, wurde im Februar 1803 an Bord der "Calcutta" transportiert und erreichte New South Wales, Australien[7]
  • Mr. John Jones (Hughes), britischer Sträfling, der in Bedford, Bedfordshire, England für 7 Jahre verurteilt wurde, im Februar 1803 an Bord der "Calcutta" transportiert wurde und in New South Wales, Australien ankam[7]
  • Mr. John Jones, britischer Sträfling, der in Shropshire, England, lebenslänglich verurteilt wurde, wurde im Februar 1803 an Bord der "Calcutta" transportiert und erreichte New South Wales, Australien[7]
  • Herr Thomas Jones, britischer Sträfling, der in Sussex, England, lebenslänglich verurteilt wurde, wurde im Februar 1803 an Bord der "Calcutta" transportiert und erreichte New South Wales, Australien[7]
  • Mr. William Jones, britischer Sträfling, der in Middlesex, England für 7 Jahre verurteilt wurde, im Februar 1803 an Bord der "Calcutta" transportiert wurde und in New South Wales, Australien ankam[7]
  • . (Weitere sind in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten verfügbar, wo immer dies möglich ist.)

Jones Migration nach Neuseeland +

Die Auswanderung nach Neuseeland folgte den Spuren europäischer Entdecker wie Captain Cook (1769-70): Zuerst kamen Robbenfänger, Walfänger, Missionare und Händler. Bis 1838 hatte die British New Zealand Company damit begonnen, Land von den Maori-Stämmen zu kaufen und es an Siedler zu verkaufen, und nach dem Vertrag von Waitangi im Jahr 1840 machten sich viele britische Familien auf die beschwerliche sechsmonatige Reise von Großbritannien nach Aotearoa, um zu beginnen ein neues Leben. Zu den frühen Einwanderern zählen:

Jones-Siedler in Neuseeland im 19. Jahrhundert
  • Mr. Andrew Jones, australischer Siedler, der aus Hobart, Tasmanien, Australien an Bord des Schiffes "Bee" reist, das 1831 in Neuseeland ankommt [8]
  • Mr. Stephen Jones, australischer Siedler, der aus dem Hafen von Hobart, Tasmanien, Australien an Bord des Schiffes "David Owen" reist, das 1832 in Neuseeland ankommt [8]
  • Thomas Jones, der 1839 an Bord des Schiffes Success in Wellington, Neuseeland, landete
  • Thomas Jones, der 1839 an Bord des Schiffes "Success" in Wellington, Neuseeland ankam
  • Joseph Jones, 21 Jahre alt, ein Gärtner, der 1840 an Bord des Schiffes "Martha Ridgeway" in Wellington, Neuseeland ankam
  • . (Weitere sind in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten verfügbar, wo immer dies möglich ist.)
Jones Siedler in Neuseeland im 20. Jahrhundert

Zeitgenössische Notabeln des Namens Jones (nach 1700) +

  • John Walter Jones (1946-2020), walisischer Beamter, Chief Executive des Welsh Language Board (1993�)
  • Mr. Terence Graham Parry Jones (1942-2020), geboren in Colwyn Bay, Denbighshire, walisischer Schauspieler, Drehbuchautor, Komiker bekannt als Terry Jones, half bei der Entstehung von Monty Pythons Flying Circus
  • Aneurin M. Jones (1930-2017), walisische Malerin, die regelmäßig im National Eisteddfod of Wales ausstellte
  • David Huw Jones (1934-2016), walisischer anglikanischer Bischof, Bischof von St. Davids von 1996 bis 2001
  • Huw Jones (1700-1782), bekannter walisischer Dichter
  • Peter Rees Jones (1843-1905), Sohn eines Hutmachers aus Wales und Gründer des Kaufhauses Peter Jones
  • Sir Edgar Rees Jones (1878-1962), walisischer Rechtsanwalt und Politiker der Liberalen Partei
  • William Ronald Rhys Jones (1915-1987), walisischer Literaturjournalist und Herausgeber
  • Tom Jones (geb. 1940), geboren als Thomas Jones Woodward, beliebter walisischer Sänger und Schauspieler, der besonders für seine kraftvolle Stimme bekannt ist
  • Catherine Zeta-Jones CBE (geb. 1969), mit dem WelshAcademy Award ausgezeichnete Schauspielerin [9]
  • . (Weitere 147 Persönlichkeiten sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und gedruckten Produkten verfügbar.)

Historische Ereignisse für die Familie Jones +

Arrow Air Flug 1285
  • Mr. Joseph A Jones (geb. 1963), amerikanischer Sergeant aus Knoxville, Tennessee, USA, der bei dem Absturz ums Leben kam [10]
Kaiserin von Irland
  • Mr. Edward John Jones, britischer Erster Offizier aus dem Vereinigten Königreich, der an Bord der Empress of Ireland arbeitete und den Untergang überlebte [11]
  • Mr. John Mackenzie Jones, britischer Junior 2nd Engineer aus Großbritannien, der an Bord der Empress of Ireland arbeitete und beim Untergang starb [11]
  • Mrs. Miriam Jones, geb. Roberts britische Matrone aus Großbritannien, die an Bord der Empress of Ireland arbeitete und beim Untergang starb [11]
  • Herr Henry Andrew Jones, britischer Saloon Steward aus Großbritannien, der an Bord der Empress of Ireland arbeitete und beim Untergang starb [11]
  • Herr Daniel Henry Jones, britischer Seemann aus Großbritannien, der an Bord der Empress of Ireland arbeitete und den Untergang überlebte [11]
  • . (Weitere 11 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten verfügbar.)
Flug TWA 800
  • Frau Ramona U. Jones (1932-1996), 64 Jahre alt, aus West Hartford, Connecticut, USA, amerikanischer Passagier an Bord des Fluges TWA 800 von J.F.K. Flughafen, New York zum Flughafen Leonardo da Vinci, Rom, als das Flugzeug nach dem Start abstürzte, starb sie bei dem Absturz [12]
Halifax-Explosion
  • Mr. Robert  Jones (1877-1917), Canadian Engine Room Artificer an Bord der HMS Highflyer aus Halifax, Nova Scotia, Kanada, der bei der Explosion starb [13]
  • Mr. Robert  Jones (1887-1917), Welsh Carpenter an Bord der SS Picton aus Port Madoc, Wales, Großbritannien, der bei der Explosion starb [13]
Hillsborough-Katastrophe
  • Richard Jones (1963-1989), englischer Chemieabsolvent, der am FA-Cup-Halbfinale im Hillsborough Stadium in Sheffield, Yorkshire teilnahm, als die zugewiesene Tribüne überfüllt war und 96 Menschen bei der sogenannten Hillsborough-Katastrophe zerquetscht wurden starb an seinen Verletzungen [14]
  • Gary Philip Jones (1790-1989), englischer Student, der das Halbfinale des FA Cup im Hillsborough Stadium in Sheffield, Yorkshire, besuchte, als die zugewiesene Tribüne überfüllt war und 96 Menschen bei der sogenannten Hillsborough-Katastrophe zerquetscht wurden und er starb an seinen Verletzungen [14]
  • Christine Anne Jones (1961-1989), englische Radiologin und Sonntagsschullehrerin, die am FA-Cup-Halbfinale im Hillsborough-Stadion in Sheffield, Yorkshire teilnahm, als die Tribüne überfüllt war und 96 Menschen in einem so genannten die Hillsborough-Katastrophe und sie starb an ihren Verletzungen [14]
HMAS Sydney II
  • Mr. Wilfred George Jones (1895-1941), australischer Chief Shipwright aus Naremburn, New South Wales, Australien, der an Bord der HMAS Sydney II in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [15]
  • Mr. Ivan David Jones (1918-1941), Australian Acting Engine Room Artificer 4. Klasse aus Fremantle, Western Australia, Australien, der an Bord der HMAS Sydney II in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [15]
  • Mr. Philip Trevor Jones (1897-1941), australischer Chief Petty Officer aus Frankston, Victoria, Australien, der an Bord der HMAS Sydney II in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [15]
  • Mr. Donald Edgar Jones (1920-1941), australischer fähiger Seemann aus West Ryde, New South Wales, Australien, der an Bord der HMAS Sydney II in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [15]
  • Mr. David James Jones (1914-1941), australischer amtierender Stoker Petty Officer aus Glebe Point, New South Wales, Australien, der an Bord der HMAS Sydney II in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [15]
  • . (Weitere 1 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Druckprodukten verfügbar.)
HMS Cornwall
  • Edward John Jones (gest. 1942), britischer Seemann an Bord der HMS Cornwall, als sie von Luftbombern getroffen und versenkt wurde, starb er beim Untergang [16]
HMS Dorsetshire
  • Norman Jones, Brite an Bord der HMS Dorsetshire, als sie von Luftbombern getroffen und versenkt wurde, überlebte er den Untergang [17]
  • William James Jones (gest. 1945), britischer Seemann an Bord der HMS Dorsetshire, als sie von Luftbombern getroffen und versenkt wurde, starb er beim Untergang [17]
HMS-Haube
  • Mr. Richard Jones (geb. 1919), walisischer Seemann, der für die Royal Navy Reserve von Holyhead, Anglesey, Wales diente, in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [18]
  • Mr. Roy T. R. Jones (geb. 1924), englischer Junge 1. Klasse im Dienst der Royal Navy von Southend-on-Sea, Sussex, England, der in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [18]
  • Mr. Ronald G. S. Jones (geb. 1919), Waliser Gewöhnlicher Seemann, der für die Royal Navy von Tonpandy, Glamorgan, Wales dient, in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [18]
  • Mr. Robert W Jones (geb. 1924), englischer Junge 1. Klasse im Dienst der Royal Navy aus Barton-upon-Irwell, Lancashire, England, der in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [18]
  • Mr. Kenneth Jones (geb. 1923), englischer Seemann im Dienst der Royal Navy aus Northallerton, Yorkshire, England, der in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [18]
  • . (Weitere 10 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten verfügbar.)
HMS Prince of Wales
  • Mr. Stanley Jones, britischer Seemann, der auf der HMS Prince of Wales in die Schlacht segelte und den Untergang überlebte [19]
  • Mr. John Emyr Jones, britischer Marine, der auf der HMS Prince of Wales in die Schlacht segelte und den Untergang überlebte [19]
  • Mr. Bernard Jones, British Boy, der auf der HMS Prince of Wales in die Schlacht segelte und den Untergang überlebte [19]
  • Mr. Thomas Jones, britischer Seemann, der auf der HMS Prince of Wales in die Schlacht segelte und den Untergang überlebte [19]
  • Mr. Stanley Jones, britischer Marine, der auf der HMS Prince of Wales in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [19]
  • . (Weitere 11 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten verfügbar.)
HMS-Abstoßung
  • Mr. Selwyn Jones, britischer Steward, der auf der HMS Repulse in die Schlacht segelte und den Untergang überlebte [20]
  • Mr. Howard Wynn Jones, britischer fähiger Seemann, der auf der HMS Repulse in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [20]
  • Mr. Hugh W Jones, britischer Seemann, der auf der HMS Repulse in die Schlacht segelte und den Untergang überlebte [20]
  • Mr. Maldwyn Price Jones, britischer fähiger Seemann, der auf der HMS Repulse in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [20]
  • Mr. Henry Norman Jones, britischer Seemann, der auf der HMS Repulse in die Schlacht segelte und beim Untergang starb [20]
  • . (Weitere 10 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten verfügbar.)
HMS Royal Oak
  • Raymond Herbert S. Jones, British Leading Telegraphist bei der Royal Navy an Bord der HMS Royal Oak, als sie von U-47 torpediert und versenkt wurde, überlebte er den Untergang [21]
  • Thomas H. Jones, British Leading Stoker mit der Royal Navy an Bord der HMS Royal Oak, als sie von U-47 torpediert und versenkt wurde, überlebte er den Untergang [21]
  • Thomas John Jones (1922-1939), britischer Junge 1. Klasse mit der Royal Navy an Bord der HMS Royal Oak, als sie von U-47 torpediert und versenkt wurde er starb beim Untergang [21]
  • Sydney Walter Jones (gest. 1939), britischer Seemann bei der Royal Navy an Bord der HMS Royal Oak, als sie von U-47 torpediert und versenkt wurde er starb beim Untergang [21]
  • Henry George Jones (1918-1939), britischer Seemann mit der Royal Navy an Bord der HMS Royal Oak, als sie von U-47 torpediert und versenkt wurde, starb er beim Untergang [21]
  • . (Weitere 2 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten verfügbar.)
Pan Am Flug 103 (Lockerbie)
  • Christopher Andrew Jones (1968-1988), amerikanischer Student aus Claverack, New York, Amerika, der an Bord des Pan Am Fluges 103 von Frankfurt nach Detroit flog, bekannt als Lockerbie-Bombardement im Jahr 1988 und starb [22]
RMS Lusitania
  • Mr. William Ewart Gladstone Jones, englischer dritter Elektriker aus West Kirkby, Liverpool, England, der an Bord der RMS Lusitania arbeitete und den Untergang überlebte [23]
  • Herr Michael Jones, englischer Trimmer aus England, der an Bord der RMS Lusitania arbeitete und den Untergang überlebte [23]
  • Miss Mary Elizabeth Jones, englische Stewardess aus Bishopston, Bristol, England, die an Bord der RMS Lusitania arbeitete und beim Untergang starb und geborgen wurde [23]
  • Mr. Arthur Rowland Jones, englischer Erster Offizier aus England, der an Bord der RMS Lusitania arbeitete und den Untergang durch Flucht im Rettungsboot 15 überlebte [23]
  • Mr. Hugh Jones, englischer Greaser aus Liverpool, England, der an Bord der RMS Lusitania arbeitete und beim Untergang starb [23]
  • . (Weitere 16 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten verfügbar.)
RMS Titanic
  • Mr. Albert Jones (gest. 1912), 17 Jahre alt, englischer Saloon Steward aus Southampton, Hampshire, der an Bord der RMS Titanic arbeitete und beim Untergang starb [24]
  • Herr Arthur Ernest Jones (gest. 1912), 38 Jahre alt, englischer Plattensteward aus Woolston, Hampshire, der an Bord der RMS Titanic arbeitete und beim Untergang starb [24]
  • Mr. H. Jones (gest. 1912), 29 Jahre alt, englischer Roast Cook aus Alresford, Essex, der an Bord der RMS Titanic arbeitete und beim Untergang starb [24]
  • Herr Reginald V. Jones (gest. 1912), 20 Jahre alt, englischer Saloon Steward aus Southampton, Hampshire, der an Bord der RMS Titanic arbeitete und beim Untergang starb [24]
  • Herr Thomas William Jones, 32 Jahre alt, englischer fähiger Seemann aus Liverpool, Lancashire, der an Bord der RMS Titanic arbeitete und den Untergang überlebte, als er auf Rettungsboot 8 entkam [24]
  • . (Weitere 1 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Druckprodukten verfügbar.)
USS Arizona
  • Herr Hubert H. Jones, American Chief Water Tender, der an Bord des Schiffes "USS Arizona" arbeitete, als es während des japanischen Angriffs auf Pearl Harbor am 7. Dezember 1941 sank, überlebte er den Untergang [25]
  • Mr. Willard Worth Jones, American Seaman First Class aus Tennessee, USA, der an Bord des Schiffes "USS Arizona" arbeitete, als es während des japanischen Angriffs auf Pearl Harbor am 7. Dezember 1941 sank, starb er beim Untergang [25]
  • Mr. Woodrow Wilson Jones, American Seaman Second Class aus Alabama, USA, der an Bord des Schiffes "USS Arizona" arbeitete, als es während des japanischen Angriffs auf Pearl Harbor am 7. Dezember 1941 versenkte, er starb beim Untergang [25]
  • Mr. Leland Jones, American Seaman First Class aus Tennessee, USA, der an Bord des Schiffes "USS Arizona" arbeitete, als es während des japanischen Angriffs auf Pearl Harbor am 7. Dezember 1941 versenkt wurde, starb er beim Untergang [25]
  • Mr. Quincy Eugene Jones, American Private First Class aus Texas, USA, der an Bord des Schiffes "USS Arizona" arbeitete, als es während des japanischen Angriffs auf Pearl Harbor am 7. Dezember 1941 sank, starb er beim Untergang [25]
  • . (Weitere 9 Einträge sind nach Möglichkeit in allen unseren PDF Extended History-Produkten und Printprodukten verfügbar.)

Verwandte Geschichten +

Das Jones-Motto +

Das Motto war ursprünglich ein Kriegsschrei oder Slogan. Mottos wurden erstmals im 14. und 15. Jahrhundert mit Waffen dargestellt, wurden aber erst im 17. Jahrhundert allgemein verwendet. So enthalten die ältesten Wappen in der Regel kein Motto. Mottos sind selten Bestandteil der Wappenverleihung: Bei den meisten heraldischen Autoritäten ist ein Motto ein optionaler Bestandteil des Wappens und kann nach Belieben hinzugefügt oder geändert werden. Viele Familien haben sich dafür entschieden, kein Motto zu zeigen.

Motto: Heb dduw, heb ddim
Motto-Übersetzung: Ohne Gott, ohne irgendetwas.



Bemerkungen:

  1. Yaman

    Ist Ihnen selbst ein so unvergleichlicher Satz eingefallen?

  2. Durn

    Ich entschuldige mich für die Einmischung ... Ich bin mir dieser Situation bewusst. Geben Sie ein, wir werden diskutieren. Schreiben Sie hier oder in PM.

  3. Emmanuel

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  4. Vogami

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  5. Faulkree

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  6. Peleus

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