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Karl V. mit Hund von Tizian

Karl V. mit Hund von Tizian


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Venus von Urbino (1538)

Künstler: Tizian (c.1488�)
Mittel: Ölgemälde auf Leinwand
Genre: Porträtkunst – einer der berühmtesten weiblichen Akte der Kunstgeschichte
Bewegung: Schule der venezianischen Malerei
Standort: Uffizien, Florenz.

Erläuterungen zu anderen Bildern finden Sie unter: Berühmte Gemälde analysiert.

Wertschätzung der Kunst
Bewerten von Werken von
Venezianische Renaissance
Maler wie Tizian, siehe
unsere pädagogischen Artikel:
Kunstbewertung und
Wie man Gemälde schätzt.


Porträt eines Herrn, 1569

Obwohl die Identität des Dargestellten unbekannt ist, lassen seine elegante Kleidung und Haltung darauf schließen, dass er eine Person von Reichtum und Vornehmheit war. Die Aufnahme eines Jagdhundes war in Porträts von Aristokraten durchaus üblich, und die Goldketten sind ein übliches Ehrenzeichen. Die Andeutung einer militärischen Identifizierung wird durch die Geste seiner geballten Hand unterstrichen, und die stehende, dreiviertellange Pose wurde von Mor im Allgemeinen in seinen Aristokratenbildern verwendet, im Gegensatz zu den eher informellen Posen, die er in seinen Ähnlichkeiten bürgerlicher Untertanen.

Der wahrscheinlichste Präzedenzfall für dieses Gemälde ist der Porträt von Karl V (Prado, Madrid), ausgeführt 1532 oder 1533 vom venezianischen Künstler Tizian. Von Tizian adaptierte Mor die kompositorische Anordnung für seine Darstellung eines stehenden Mannes mit einem Hund. In ähnlicher Weise ist die Art und Weise, wie Licht verwendet wird, das ausgewählte Teile der Figur brillant beleuchtet, während andere Teile willkürlich in dunklen Schatten verhüllt werden, durch und durch Tizianesk. Mors Stil zeigt auch seine Ausbildung in seiner Heimat Flandern, seine Liebe zum Detail und seine Freude an der Darstellung von Texturen.

Der geschickte Umgang mit Farbe und die scharfsinnige psychologische Darstellung machen deutlich, warum Mor im 16.

Weitere Informationen zu diesem Gemälde finden Sie in der Galeriepublikation Frühe niederländische Malerei, die als kostenloses PDF verfügbar ist https://www.nga.gov/content/dam/ngaweb/research/publications/pdfs/early-netherlandish-painting.pdf

Inschrift

oben links: Antonius mor pingebat a. 1569

Herkunft

Wahrscheinlich Sir Peter Lely [d. 1680], London. (Verkauf, London, 18. August 1682).[1] George John Spencer, 2. Earl Spencer [1758-1834], Althorp House, Northamptonshire, bis 1822[2] The Earls Spencer, Althorp House Albert Edward John Spencer, 7. Earl Spencer [1892-1975], Althorp House, bis 1927 (Duveen Brothers, Inc., London und New York) gekauft im Februar 1930 von Andrew W. Mellon, Pittsburgh und Washington, DC, Urkunde am 28. Dezember 1934 an The AW Mellon Educational and Charitable Trust, Pittsburgh Geschenk 1937 an NGA.

[1] "A Man with a Gold Chain and a Dog", 3 ft 5 in by 2 ft 9 in, ist nach Antonis Mors Namen in der Handliste für den Verkauf von Sir Peter Lelys Sammlung "Sir Peter Lely's Collection" aufgeführt. Burlington-Magazin 83 (1943), 187. Lelys Sammlung umfasste neben anderen Werken von Mor auch ein Selbstporträt. Dallaways Notizen zu Horace Walpoles Anekdoten der Malerei in England. , 2. Aufl., Hrsg. James Dallaway, 5 Bde. (London, 1826), I: 240, verband zuerst das Gemälde, dann in der Spencer-Sammlung, mit dem Artikel im Lely-Verkauf. Joanna Woodall hat den interessanten Vorschlag gemacht, dass das Bild mit einem Dreiviertelporträt von Mor in der Sammlung Orleans identisch sein könnte, im Gespräch mit Martha Wolff, 4. Februar 1985 siehe Louis-François Dubois de Saint-Gelais, Beschreibung des Tableaux du Palais Royal. (Paris, 1727), 62-63, als Porträt eines Spaniers aus der Sammlung Monsieur, das heißt Philippe de France, Herzog von Orléans, d. 1701. Dies könnte das Bild sein, das im April 1793 mit einem Teil der Orléans-Sammlung in London verkauft wurde, Nr. 49, für 15 Guineen, als Selbstbildnis von Mor siehe Gustav Friedrich Waagen, Kunstschätze in Großbritannien. , 4 Bd. (London, 1845), 2: 501. Christiaan Kramm, De levens en werken der hollandsche en vlaamsche Kunstchilders beeldhouwers, graveurs, en bouwmeesters. , 7 Bd. (Amsterdam, 1857-1864) 4: 1160-1161, verband zuerst den Hinweis in der Orléans-Versteigerung von 1793 mit dem Porträt, dann in der Spencer-Sammlung. Es gibt jedoch eine Reihe von Diskrepanzen zwischen der relativ genauen Beschreibung von Dubois de Saint-Gelais und der Malerei der Galerie. So erwähnt Dubois de Saint-Gelais keine Ehrenketten, Schwerter oder Dolche, sondern beschreibt einen Siegelring an der Hand, die auf dem Halsband des Hundes ruht. Kommentare zum Gemälde von Joanna Woodall.

[2] Dibdin, Thomas Frognall. Aedes Althorpianae oder ein Bericht über das Herrenhaus, Bücher und Bilder in Althorp, der Residenz von George John Earl Spencer, K.G. , 2 Bde., London, 1822: 1:262-263.

Zugehörige Namen
Ausstellungsgeschichte
Technische Zusammenfassung

Das Gemälde wurde von einer Tafel auf einen Leinwandträger übertragen.[1] Der ursprüngliche Träger bestand aus drei vertikal verbundenen Brettern. Der ursprünglich sehr dünn bemalte Hintergrund ist jetzt etwas abgerieben und ziemlich stark eingefärbt, vielleicht um ihm ein fertigeres Aussehen zu geben. Außerdem wurde ein etwa 2,5 cm breiter Streifen entlang des Bildrandes allseitig übermalt. Inpainting ist auch in zwei vertikalen Streifen entlang der ehemaligen Verbindungslinien, im Bart des Dargestellten links vom Mund, wo ein ziemlich großer Verlust vorliegt, und in kleinen vereinzelten Flecken auf Stirn, Wangen und Händen erkennbar. Die Signatur und das Datum scheinen original zu sein, obwohl die Signatur verstärkt wurde.

[1] Vermutlich wurde das Gemälde übertragen, nachdem Duveen es erworben hatte, als es auch gereinigt und restauriert wurde. Im Katalog der Ausstellung der Royal Academy 1927, Nr. 231 und in früheren Katalogen als auf Holz beschrieben.


Hunde sind ein häufiges visuelles Motiv in der westlichen Kunst und wurden wegen ihrer Rolle als Begleiter und Lebensmodell als „bester Freund des Künstlers“ bezeichnet. Die genaue und genaue Beobachtung von Tieren ist ein Markenzeichen der Renaissance- (und Barock-)Kunst im Allgemeinen, und als die am meisten domestizierte und bevorzugte Art ist es unvermeidlich, dass insbesondere Hunde gut vertreten sind. Das Zeichnen nach dem Leben gehörte zur normalen Routine des Renaissance-Künstlers, und als Künstler begannen, die Welt um sie herum zu betrachten, war da der Hund – eine bereitwillige Quelle der Inspiration.

Während der gesamten Renaissance sind Hunde reich an Kunst, die meistens als zufälliges Hintergrundmotiv, Teil einer Jagdszene, religiöser, mythologischer oder allegorischer Komposition oder neben ihren Meistern in Porträts erscheinen. Aber selbst eine kurze Darstellung ihrer Rolle in der bildenden Kunst dieser Zeit umfasst Fragen, die weit über die Kunstgeschichte hinausgehen, darunter das höfische Leben, aristokratische Geschmäcker und Mode, Haustierbesitz, der Status der Jagd unter den königlichen und adligen Klassen, Entwicklungen in der Klassifikation von Hunderassen und -typen und veränderte Ansichten über die Intelligenz und die geistigen Fähigkeiten von Hunden. Obwohl zum Beispiel Arbeitshunde in der Renaissance allgegenwärtig waren – sie drehten Kochspieße, zogen Karren, hüteten Schafe, köderten wilde Tiere und nahmen an Sportveranstaltungen teil – schloss ihr niedriger Status ihre Erscheinen als solche in Gemälden dieser Zeit meist aus.

Der erste große Tierbeobachter der Renaissance, Pisanello, hat in Paris in einem Skizzenbuch mehrere sensibel beobachtete Studien von Hunden, die offenbar der Natur entnommen sind, vorgelegt. Er verwendete diese Studien für die Greyhounds, den Jagdhund und zwei kleine Spaniel-ähnliche Hunde im Vordergrund von Die Vision des Heiligen Eustace (Abb. 2). Ein halbes Jahrhundert später malte Albrecht Dürer Hunde mit der Aufmerksamkeit eines Porträtisten in Silberstift und Tusche und Lasche und hinterließ uns mehrere vorbereitende Zeichnungen einzelner Tiere, die direkt aus dem Leben genommen wurden und die das intensive Streben des Renaissance-Künstlers nach Genauigkeit und Realismus veranschaulichen. Die angespannten, nervösen Jagdhunde im Vordergrund seines größten Stichs, Die Vision des Heiligen Eustace, wurden so überzeugend umgesetzt, dass sie für nachfolgende Künstler als wichtige Quelle dienten, die sie für ihre eigenen Kompositionen wiederverwendeten.

Nicht alle Hundedarstellungen in der Renaissance waren jedoch lebensecht oder das Ergebnis einer Beobachtung aus erster Hand, denn viele Künstler sahen Tiere nur als Vehikel an, um eine verwirrende Vielfalt komplexer und oft widersprüchlicher Symbole zu vermitteln. So oft auf italienischen Gemälden Hunde als Begleiter des jungen Tobias gezeigt wurden, die den Jüngling beschützten, während er auf der Suche nach dem Fisch, der die Blindheit seines Vaters Tobit heilen sollte, beschützte, trugen sie auch die uralte Last von Paria oder Aasfresser, Hunde, die im Alten Testament mit bösen und unreinen Dingen in Verbindung gebracht werden und im Neuen Testament mit den Verfolgern Christi. Der Hund war das treue Attribut der Heiligen Dominikus, Margarete von Cortona und Roch sowie der Jäger Diana, Adonis und Cephalus, aber er war auch ein Symbol für Sexualität und Promiskuität. Doch Kirchenväter, Gelehrte, Dichter und Humanisten wurden symbolisiert und von Hunden begleitet. In Dürers Stich von Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer (1514 Bartsch 60) arbeitet der Heilige an seinen Briefen oder Übersetzungen, während sein Hund ruhig in der Nähe schläft, ein lebendiges Symbol des beschaulichen Lebens.

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Bereits in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts begannen Hunde in der Kunst eine eigenständige Existenz zu führen. Ihr Status als Gunst- und Prestigeobjekt der europäischen Herrscherfamilien und der Wunsch ihrer Besitzer nach Auffälligkeit, insbesondere bei den italienischen Herzogsfamilien in Mantua, Ferrara und Florenz, führten zu einer Nachfrage nach Porträts einzelner Hunde. In einem undatierten Konto, das Zanetto Bugato an Galeazzo Maria Sforza, Herzog von Mailand, schickte, war einer der zu bezahlenden Artikel „ein Porträt des Hundes namens Bareta“. Francesco Bonsignori soll für Francesco Gonzaga, den 4. Marquis von Mantua gemalt haben, einen Hund, dessen Ähnlichkeit so überzeugend war, dass einer seiner eigenen Hunde das Gemälde angegriffen haben soll.

Obwohl Hundeporträts an sich erst im frühen 18. Hunde sind auch heute noch natürliche Ergänzungen zu Porträts, erscheinen als Modeaccessoires oder als Hinweis auf den Geschmack und die Interessen eines Dargestellten. Schon in der Frührenaissance scheinen sie nach dem Leben gemalt zu sein – sicherlich der kleine Griffon Terrier in Jan van Eycks Giovanni Arnolfini und seine Frau (Abb. 4) ist ein Familienhund und starrt den Betrachter kühn an, ungeachtet seiner Rolle als traditionelles Merkmal der ehelichen Treue.

Ein bemerkenswertes Beispiel für einen lebendigen und lebensechten Hund, der in der italienischen Malerei neben seinem Besitzer erscheint, ist das Paar eleganter Greyhounds, die ihn begleiten Sigismondo Pandolfo Malatesta kniet vor dem Heiligen Sigismondo im Fresko von Piero della Francesca im Tempio Malatestiano, Rimini. Obwohl Greyhounds hauptsächlich für die Jagd gezüchtet wurden, wurden sie oft als Hofhaustiere in großem Luxus gehalten. Dieses Paar war ein Geschenk von Pier Francesco di Lorenzo de’ Medici. Besonders gut ist der weiße Greyhound, der mit ausgestreckten Pfoten liegt und geduldig auf seinen Herrn wartet. Obwohl diese edlen Hunde weithin als Symbol für eine Tugend wie Treue interpretiert wurden, sind sie ebenso überzeugende Beispiele für den hohen Wert, der Jagdhunden in der Renaissance beigemessen wurde, und wurden von zeitgenössischen Beobachtern wahrscheinlich mehr für Pieros detaillierten Naturalismus geschätzt. Es sind Briefe aus dem 15. Jahrhundert erhalten, in denen italienische Fürsten ihr Interesse bekunden, schöne Jagdhunde zu erwerben oder zu verschenken. Solche Hunde trugen oft teure Halsbänder – die Hundehalsbänder des ferraresischen Hofes wurden vom Hofgoldschmied hergestellt – und das Inventar von Sigismondos Besitztümern von 1468 zeigt, dass er eine Reihe von kunstvollen, mit Silber besetzten Hundehalsbändern besaß.

Die Zuneigung, die Ludovico II Gonzaga, Marquis von Mantua, zu seinem Hund Rubino hegte, wird nicht nur durch seine Briefe und nach dem Tod des Tieres durch die Errichtung eines Grabsteins mit einem sentimentalen lateinischen Epitaph bestätigt, sondern auch durch die Aufnahme von die Kreatur selbst – ein rostroter Bloodhound-ähnlicher Hund – unter seinem Stuhl in Andrea Mantegnas berühmtem Fresko, das Ludovico, seine Familie und seinen Hof darstellt (1465–1474 Camera degli Sposi, Palazzo Ducale, Mantua). Das angrenzende Fresko, das zwei riesige Mastiffs und andere Jagdhunde darstellt, zeugt weiter von der Leidenschaft für Hunde am Hof ​​von Gonzaga. Eine weitere bemerkenswerte Darstellung eines Hundes in der monumentalen Wandmalerei der Renaissance ist der gefiederte Saluki mit Nietenhalsband im Vordergrund von Pinturicchios Abfahrt von Aeneas Silvius Piccolomini nach Basel (um 1503–1507 Dombibliothek, Siena). In diesem Fresko erscheint das Tier fast so auffällig wie die Figur des zukünftigen Papstes Pius II.

Im 16. Jahrhundert schmückten Hunde Porträts auf vielfältige Weise, um den Charakter, die Stärke und den Adel ihrer Besitzer widerzuspiegeln. Lucas Cranachs imposantes Paar Ganzfigurenporträts von Heinrich dem Frommen, Herzog von Sachsen, und seiner Gemahlin Katharina von Mecklenburg (1514 Staatliche Kunstsammlungen, Gemäldegalerie, Dresden) illustriert die häufige Unterscheidung zwischen Hunden in königlichen Porträts: Schoßhunde werden als ausschließlich dargestellt weibliche Gefährten, große Hunde, die als Attribute männlicher Männlichkeit dargestellt werden. Die Größe und Bedeutung des Hundes in Antonio Mors Kardinal Granvelles Zwerg und Hund (um 1550 Musée du Louvre, Paris) – so lebendig dargestellt, dass er nur ein lebender Hund gewesen sein kann – lässt vermuten, dass das Porträt des Tieres den Auftraggeber ebenso interessierte wie das des kunstvoll gekleideten Hofzwergs. Im 16. Jahrhundert erscheinen Hunde in Porträts zunehmend nicht als Symbole oder Status- oder Besitzobjekte, sondern nur, weil ihre Herren sie als geliebte Gefährten betrachteten. Der Bologneser Maler Bartolomeo Passarotti, der Hunde häufig in sein Spätwerk einbezog, fasste die zärtliche Haltung der Epoche gegenüber Hunden explizit in Porträt eines Mannes mit Hund (um 1585 Pinacoteca Capitolina, Rom), bemerkenswert für die offensichtliche Liebesbekundung zwischen den beiden.

Italienische Maler des 16. Jahrhunderts schufen eine Reihe denkwürdiger Eckzähne, die darauf hindeuten, wie bekannt und bewundert Hunde in dieser Zeit geworden waren. Für Kenneth Clark, die wortlose Trauer von Piero di Cosimos trauernden Hund in Ein Satyr, der um eine Nymphe trauert (Abb. 1), „der beliebteste Hund der Renaissance“, markierte den Beginn einer langen Tradition in der westlichen Kunst, Tieren menschliche Eigenschaften zu verleihen. Andere bemerkenswerte Darstellungen von Hunden sind die wunderschön gemalten Hunde in Parmigianinos Fresken von Diana und Actaeon (ca. 1523–1524 Camerino, Rocca Sanvitale, Fontanellato) Vertumnus und Pomona (1520–1521 Gran Salone, Villa Medici, Poggio a Caiano) Dosso Dossis weißer Hund im Vordergrund von Circe und ihre Geliebten in einer Landschaft (ca. 1511–1512 National Gallery of Art, Washington, D.C.) und Federico Baroccis braun-weißer Welpe, der den Zuschauer ganz rechts unten anspricht Madonna del Popolo (1575–1579 Galleria degli Uffizi, Florenz).

Es ist jedoch in den Werken der venezianischen Maler Carpaccio, Tizian, Bassano und Veronese, dass die Hundebilder nachhaltig blühten. Vittore Carpaccio, einer der ersten Maler der Renaissance, der in seinen Werken Alltagsszenen verwendete, hob Hunde in zwei sehr unterschiedlichen Kontexten besonders hervor: als Symbol der Fleischlichkeit oder des tierischen Appetits zu Füßen einer sitzenden Kurtisane (um 1495 Museo Correr , Venedig) und als Symbol für die Attribute eines Gelehrten in Form eines flauschigen weißen Bichons im Arbeitszimmer des Heiligen Augustinus (um 1502 Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venedig).

Mit seiner Vorliebe für naturalistische Formen spielte Tizian eine besonders bedeutende Rolle bei der Förderung des Hundes in der bildenden Kunst. Im Porträt Federico II. Gonzaga, Herzog von Mantua, die Geste des weißen Malteserhundes, der seinen Herrn scharrt, ist besonders passend, da die Liebe des Herzogs zu seinen Hunden bekannt war, im Frühjahr 1525 besaß er nicht weniger als 111 Hunde. Die scharf beobachteten Hunde in Tizians Porträts wirken so solide und echt, so überzeugend und berührend wie die menschlichen Dargestellten – zum Beispiel Karl V. steht mit seinem Hund (1533 Museo del Prado, Madrid) Eleonora Gonzaga della Rovere, Herzogin von Urbino (um 1537, Galleria degli Uffizi, Florenz) Kapitän mit Amor und Hund (um 1550–1552, Staatliche Kunstsammlungen, Gemäldegalerie, Kassel) und Clarice Strozzi (1562 Staatliche Museen, Gemäldegalerie, Berlin), in dem Pietro Aretino in einem Brief an den Künstler die naturgetreue Darstellung des kleinen rot-weißen Spaniels hervorhebt.

Die Spielzeughunde, die in Tizians . beschäftigt sind Venus von Urbino (1538 Galleria degli Uffizi, Florenz) und in seinen Gemälden zum Thema Venus mit Organist oder Lautenspieler (um 1548–1549 Gemäldegalerie, Berlin) sowie in seiner zweiten Fassung von Danaë (1553–1554 Museo del Prado, Madrid) wurden als Symbole weiblicher Verführung gedeutet. Seine Jagdszenen mit Venus und Adonis (1553–1554 Museo del Prado, Madrid) zeigen naturgetreue Darstellungen von Hunden und treten auffallend im Vordergrund des späten Häutung von Marsyas (um 1575 Erzbischöfliches Palais, Kremsier). Wenn Tizian jemals ein Gemälde mit einem Hund als Hauptmotiv angefertigt hat, hat es nicht überlebt, die fast Ausnahme ist die Engimatik Junge mit Hunden, die neuerdings als Allegorie der komplementären Operationen von Natur und Kunst gedeutet wurde: Der Kontrast zwischen der Beziehung der stillenden Mutter zu ihren Welpen und der des Jungen zu seinem erwachsenen Hund drückt die Vorstellung aus, dass die Natur hervorbringt, während Kunst (oder Kultur) trainiert und pflegt.

Jacopo Bassano scheint sich von Natur aus zu Tieren als seinen Sujets hingezogen zu haben, und er hat über einen Zeitraum von 40 Jahren eine Vielzahl von Hunden verschiedener Rassen in seinen historischen, religiösen und Genre-Themen dargestellt, beginnend mit dem Anbetung der Heiligen Drei Könige (ca. 1539 Burghley, Stamford, Lincolnshire), die einen kleinen Spaniel zu Füßen der Jungfrau enthält. Er verlieh seinen Kompositionen eine naturalistische Note mit Motiven wie den Hunden, die im Vordergrund des Lazarus an den Wunden an den Beinen schnüffeln Lazarus und der reiche Mann (ca. 1554 Cleveland Museum of Art) und lecken Sie das Blut des Verwundeten in Der barmherzige Samariter (Abb. 3). Um die Mitte des 16. Jahrhunderts schuf Bassano ein Gemälde von zwei Jagdhunden, das überlebt hat, um den Beginn einer Tradition von in Auftrag gegebenen „Porträts“ oder zumindest Abbildern von echten Hunden zu markieren, die ein neues Interesse an und psychologisches Verständnis von Tieren widerspiegeln . Diese ungewöhnliche Arbeit wurde 1548 von Antonio Zentani in Auftrag gegeben, einem patrizischen venezianischen Kunstsammler, der anscheinend nur ein Gemälde dieser beiden Hunde wollte, was einigen nahelegte, dass diese Tiere geschätzte Jäger aus seinem eigenen Zwinger waren und dass ihre Darstellung nicht erwartet wurde, etwas zu vermitteln symbolische oder versteckte Bedeutung.

In Anbetracht von Bassanos Hingabe, das natürliche Aussehen von Hunden einzufangen, betonte der Kunsthistoriker Roger Rearick seinen außergewöhnlichen Auszug von „zwei vollkommen geradlinigen Eckzähnen aus ihrem vertrauten Kontext“ und die Widmung eines Gemäldes an sie und sie allein. In jüngerer Zeit wurde jedoch aufgrund der spirituellen Neigungen des Schutzpatrons vorgeschlagen, dass die an einen Baumstumpf gebundenen Hunde tatsächlich „eine strenge, fast trostlose Botschaft“ übermitteln und eine komplexe Allegorie des Kampfes zwischen irdischen und geistliches Leben. Ungeachtet der symbolischen Konnotationen oder moralisierenden Absichten von Bassanos Komposition sind die Tiere wunderschön umgesetzt und bemerkenswert für ihre wahrheitsgetreue Darstellung. Die Pose des Hundes auf der linken Seite scheint Tintorettos Aufmerksamkeit erregt zu haben, der sie fast genau in sein Gemälde einfügte Christus wäscht die Füße der Jünger für die Kirche San Marcuola, Venedig (um 1548–49 Museo del Prado, Madrid). Zu Beginn des 17. Jahrhunderts wurde Zwei Jagdhunde galt als ein Werk von Veronese und ging danach als Gemälde von Tizian durch eine Reihe berühmter Sammlungen, darunter die von Kardinal Silvio Valenti Gonzaga, William Beckford und dem Herzog von Bedford, erst Mitte des 20 dass seine eigentliche Urheberschaft wiederhergestellt wurde. Der naturalistische Tenor von Bassanos Kunst wurde in einem ähnlichen Gemälde von zwei Hunden, das er kurz darauf anfertigte, weiter zum Ausdruck gebracht. Zwei Jagdhunde (um 1555 Galleria degli Uffizi, Florenz) und zwei Jahrzehnte später in Ein Windhund (um 1571 Privatsammlung, Turin).

Paolo Veronese, der als „größter Hundeliebhaber der italienischen Kunst“ bezeichnet wird, hat Dutzende von Hunden, von Greyhounds bis zu Spaniels, in seine religiösen Szenen, mythologischen und allegorischen Werke und Porträts aufgenommen. In seinen großen Gemälden biblischer Feste, die für die Refektorien der Klöster in Venedig und Verona ausgeführt wurden, sind vor allem Hunde im Überfluss vorhanden. Das Fest im Hause Simons des Pharisäers (um 1560 Galleria Sabauda, ​​Turin), gemalt für das Refektorium der Heiligen Nazaro und Celso in Verona, Veroneses früheste erhaltene Abendmahlsszene, enthält zwei Hunde unter dem Tisch, die Giorgio Vasari („so schön, dass sie real und lebendig erscheinen“) an John Ruskin („Die Essenz des Hundes ist da, der ganze, prächtige, generische Tiertypus, muskulös und lebendig“). In zwei Versionen des Abendessen in Emmaus (um 1560 Musée du Louvre, Paris, und Staatliche Kunstsammlungen, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden) scheint ihm das gemeinsame Spielen von Kindern und Hunden besonders gefallen zu haben. Und in der Weite Heirat in Kana für das Refektorium von San Giorgio Maggiore, Venedig, der ambitioniertesten Bankettszene von Veronese, lenkt ein Paar prächtiger weißer Hunde die Aufmerksamkeit des Betrachters sofort auf das Zentrum der Komposition.

Im Inneren der Villa Barbaro in Maser, wo Veronese um 1561 ein reichhaltiges und ikonographisch komplexes dekoratives Freskenprogramm ausführte, heißt einer der Räume traditionell das Stanza del Cane, nach einem schön gerenderten kleinen Hund, der einen Sims hoch über dem Besucher einnimmt. Veroneses Hunde sind so liebevoll gemalt, dass sie sein eigenes Gefühl für Tiere widerspiegeln müssen – ein Gefühl, das sich vielleicht in dem Motiv widerspiegelt, in dem Diana einen ihrer Greyhounds in den Wolken der Sala di Olimpo kuschelt. Die Fülle und Vielfalt der Hunde in Veroneses Kunst machen es schwierig, ihnen eine spezifische Symbolik zuzuschreiben – sie sind zu zahlreich und erscheinen in zu vielen unterschiedlichen Umgebungen. Veronese soll formale „Porträts“ einzelner Hunde, einschließlich seines eigenen, angefertigt haben, aber sein einziges erhaltenes Gemälde, in dem Hunde mit der menschlichen Figur um die Prominenz wetteifern, ist Amor mit zwei Hunden (um 1580–83 Alte Pinakothek, München). Dieses Gemälde zeigt einen geflügelten Amor, der einen goldenen Köcher trägt und zwei schwarz-weiße Jagdhunde an einer Kette hält, eine Komposition, die unterschiedlich interpretiert wurde als Allegorie der Gegensätzlichkeit der Liebe, der Treue in der Liebe und der Zurückhaltung des Tieres Appetit auf Liebe.

Dieser Essay ist eine Adaption von "An Artist's Best Friend: The Dog in Renaissance and Baroque Painting and Sculpture" von Edgar Peters Bowron in Best in Show: Der Hund in der Kunst der Renaissance to Today (Yale University Press in Zusammenarbeit mit dem Museum of Fine Arts, Houston und dem Bruce Museum of Art and Science) mit Genehmigung verwendet.


GERÄTE UND ANBAUGERÄTE VON TITAN

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Kaiser Karl V. zu Mühlberg

Dieses Porträt erinnert an den Sieg Karls V. über den Schmalkaldischen Bund bei Mühlberg am 24. April 1547. Der Kaiser ist nach Art der leichten Kavallerie mit Halbhecht und Radschlosspistole ausgerüstet. Seine Rüstung wurde um 1545 von Desiderius Helmschmid angefertigt und trägt auf dem Brustschild ein Bild der Jungfrau mit dem Kind, wie es bei Karls Rüstung von 1531 üblich war Bild, das Karl als Erbe der römischen Tradition und auch als Inkarnation des Meilen Christian, wie er von Erasmus im beschrieben wurde Enchiridion (1503). Die Bedeutung der Lanze verbindet sich mit beiden Interpretationen, die sich sowohl auf Longinus als auch auf den Heiligen Georg (den christlichen Ritter schlechthin) beziehen, aber auch als Symbol für die höchste Macht der römischen Kaiser fungieren. Aufgrund der Umstände und der Entstehungszeit des Porträts sind die religiösen Konnotationen dieses Werkes jedoch nicht so bedeutsam wie die politischen. Die kaiserliche Propaganda präsentierte den Feldzug gegen den Schmalkaldischen Bund eher als politischen denn als religiösen Konflikt, der diejenigen bestrafen sollte, die sich gegen ihren legitimen Herrscher erhoben hatten. Tatsächlich unterstützten führende lutherische Adlige wie Moritz von Sachsen Karl, dessen Armee hauptsächlich aus Protestanten bestand. Während Tizian das Porträt in Augsburg malte, unterstützte Karl außerdem das Interim, das am 12. März 1548 endete, um Katholiken und Protestanten zusammenzubringen. In einem solchen Kontext wollte der Hof kein Bild von Karl als Vorkämpfer des Katholizismus oder arroganten Sieger über seine eigenen Untertanen vermitteln, sondern vielmehr als Kaiser, der über eine heterogene Gruppe von Staaten und Religionen herrschen kann. Daher das Fehlen jeglicher Bezugnahmen im Gemälde auf die Schlacht und die Ablehnung der Ideen von Pietro Aretino, der vorschlug, dass Tizian die unter den Hufen des Pferdes niedergetrampelten Besiegten darstellen sollte. Es ist auch zu bedenken, dass das Porträt Maria von Ungarn gehörte, in deren posthumen Inventar von 1558 das Gemälde eher politisch als religiös beschrieben wird, und besagt, dass Karl gezeigt wird in der Art und Weise, wie er gegen die Rebellen vorging.

Der Kaiser Karl V. zu Mühlberg Es fehlt an Präzedenzfällen in der italienischen Kunst, und Wissenschaftler haben sich daher im Allgemeinen auf klassische und Renaissance-Skulpturen bezogen, wie z Marcus Aurelius zu Pferd und Verrocchios Colleoni, sowie zur deutschen Kunst, insbesondere Dürers Ritter, Tod und Teufel von 1513-4. Vor allem wird sie mit Hans Burgkmair dem Älteren in Verbindung gebracht, der 1508 einen Holzschnitt Maximilians I. zu Pferde anfertigte und 1509-10 a Projekt für eine Reiterskulptur von Maximilian I (Wien, Graphische Sammlung Albertina). Der Verweis auf Maximilian ist besonders treffend, da er auf eine Tradition von Reiterporträts des Oberhauptes des Heiligen Römischen Reiches verweist, mit denen Karl V. zuvor in Mühlberg in Verbindung gebracht worden war. Zu Karlsbildern dieses Typs gehörten die Reliefs von 1522 von Hans Daucher und die farbigen Kupferstiche, die Hans Liefrinck d. Ä. 1542-4 in Antwerpen angefertigt hatte. Es ist anzunehmen, dass Charles diese Affinitäten absichtlich gesucht haben muss. Unmittelbar nach der Schlacht bei Mühlberg ließ er bei Leone Leoni eine Reiterplastik in Auftrag geben, die zwar letztlich nicht ausgeführt wurde, aber an das oben erwähnte Projekt der Skulptur Maximilians erinnert und neben der vorliegenden Arbeit von Tizian das Bild Karls stärken sollte als Kaiser in einer der besonderen politischen Situation Deutschlands 1547/48 angemessenen Weise. Tizian übersetzte und monumentalisierte diese formalen und ideologischen Präzedenzfälle, die für den Betrachter dieses Gemäldes in Augsburg, derselben Stadt, in der Burgkmair einige Jahrzehnte zuvor für Maximilian gearbeitet hatte, in enger Zusammenarbeit mit der Familie Helmschmid, den kaiserlichen Waffenschmieden, leicht erkennbar waren, in Malerei und monumentalisiert . Trotz seines bahnbrechenden Charakters fand dieses wirklich außergewöhnliche Werk in der Kunst keinen unmittelbaren Widerhall, und das Reiterporträt musste bis in die frühen Jahrzehnte des 17.


Italienische Hochrenaissance (c.1490-1530)

• Gemälde der Hochrenaissance
Merkmale und berühmte Maler.
• Renaissance-Kunst in Florenz
Masaccio, Donatello, Brunelleschi, Leonardo, Michelangelo und andere.
• Renaissance-Kunst in Rom
Raffael, Michelangelo und andere.
• Renaissance-Kunst in Venedig
Mantegna, Giorgione, Tizian, Veronese, Bellini, Tintoretto und andere.
• Beste Renaissance-Zeichnungen
Skizzen in Kreide, Metalpoint, Kohle, Feder und Tinte.
• Größte Renaissance-Gemälde
Die wichtigsten Werke von Fresko, Tempera und Öl.
• Nördliche Renaissance (1430-1580)
Jan Van Eyck, Roger van der Weyden, Memling, Bosch, Albrecht Dürer.

HINWEIS: Für den anhaltenden Einfluss des Klassizismus der Hochrenaissance auf die Kunst des 20. Jahrhunderts siehe: Classical Revival in Modern Art (c.1900-30).

Hinweis: Der Begriff "Renaissance", der verwendet wird, um die neuen Formen der Architektur, Malerei und Skulptur zu beschreiben, die in Italien zwischen 1400-1530 auftauchten, wurde zuerst von dem französischen Historiker Jules Michelet (1798-1874) geprägt.

ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Zur Chronologie und Daten
der wichtigsten Ereignisse in der Evolution
der bildenden Kunst auf der ganzen Welt
siehe: Zeitleiste der Kunstgeschichte.

DIE ARCHITEKTUR
Informationen zum Bauen
Design in der Renaissance,
siehe: Renaissance-Architektur.

FIGURATIVE KUNST DER RENAISSANCE
Für einen kurzen Überblick über die Tradition
des Aktzeichnens, siehe:
Weibliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 20)
Männliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 10).

LACK-PIGMENTE, FARBEN, FARBEN
Für Details zu den Farbpigmenten
von Malern der Hochrenaissance verwendet
siehe: Renaissance-Farbpalette.

GROSSE EUROPÄISCHE MALER
Für Biografien und Gemälde
der größten Künstler Europas
siehe: Alte Meister: Top 100.

Was ist die Hochrenaissance? - Eigenschaften

Die als Hochrenaissance bekannte Periode umfasst ungefähr die vier Jahrzehnte von 1490 bis zur Plünderung Roms im Jahr 1527. Sie stellt den anerkannten Höhepunkt der Renaissance-Kunst dar - die Zeit, in der die Ideale des klassischen Humanismus sowohl in der Malerei als auch in der Skulptur vollständig umgesetzt wurden und als malerische Techniken der linearen Perspektive, Schattierung und andere Methoden des Realismus wurden beherrscht. Während die vorangegangene Frührenaissance sich auf Florenz konzentrierte und größtenteils von der Familie Medici bezahlt wurde, konzentrierte sich die Hochrenaissance auf Rom und wurde von den Päpsten bezahlt. Tatsächlich wäre die Stadt beinahe bankrott gegangen.

Zu den wichtigsten Künstlern der Hochrenaissance in Rom gehörten Leonardo da Vinci (1452-1519), Meister der Ölmalerei und sfumato Michelangelo (1475-1564), der größte Bildhauer und Freskenmaler der Zeit Raphael (1483-1520), der beste Maler der Hochrenaissance Correggio (1489-1534), der Maler von Parma, berühmt für seine illusionistischen Himmelfahrt der Jungfrau (Kathedrale von Parma) (1526-30) und Donato Bramante (1444-1514), der führende Architekt der Hochrenaissance. Zu den Malern der Provinz gehörte Luca Signorelli (1450-1523), dessen Wandmalereien in der Sixtinischen Kapelle und die Fresken der Kathedrale von Orvieto vermutlich einen wichtigen Einfluss auf Michelangelo hatten.

Kunstwerke der Hochrenaissance

Masterpieces of High Renaissance painting include: Michelangelo's Genesis Sistine Chapel frescoes Leonardo's Virgin of the Rocks (1484-6, Louvre, Paris), Lady with an Ermine (1490) Czartoryski Museum, Krakow, Last Supper (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Milan) and Mona Lisa (1503-5, Louvre) Raphael's Sistine Madonna (1513), Verklärung (1518-20), Portrait of Baldassare Castiglione (1514-15) and School of Athens (1509-11), in the Raphael Rooms in the Vatican and Titian's Assumption of the Virgin (1518, S. Maria Gloriosa dei Frari).

Highlights of High Renaissance sculpture include: Pietà (1500, St Peter's, Rome) and David by Michelangelo (1501-4, originally located in the Piazza della Signoria, Florence, now in the city's Academy of Arts).

The High Renaissance unfolded against a back-drop of mounting religious and political tension, which affected painters and sculptors, as well as patrons of the arts throughout Italy. After the sack of Rome in 1527, it was superceded by the more artificial and dramatic style of Mannerism.

Political Developments During the High Renaissance

Christopher Columbus's discovery of the Americas in 1492, together with Magellan's first circumnavigation of the world in 1522, trashed the prevailing dogma of a flat earth in 1512 Copernicus placed the sun (not the earth) at the centre of the visible universe. These discoveries rocked the foundations of theology along with many assumptions about human life.

In 1494, Charles VIII of France invaded Italy, causing upheaval throughout the country. In the same year, political rivalry in Florence led to the rise and fall of the fanatical cleric Girolamo Savonarola (1494-8), which severely shook Florentine art in the process. (During this time it is said that Botticelli actually pledged to renounce art.)

In 1517, Martin Luther posted his 95 Theses in Wittenberg, triggering the Reformation and plunging much of Europe into chaos. This led to a number of military conflicts between Charles V (ruler of Spain, Austria, the Low Countries and southern Italy), Francis I of France, Henry VIII in England and the Popes in Rome. The era ended with the sacking of Rome in 1527.

With such uncertainty at large, it seems incredible that the High Renaissance could have occurred at all. Yet it did. Indeed, the years between 1490 and the sack of Rome in 1527 saw a huge outpouring in Italy of all the visual arts. This golden age - perhaps the most creative era in the history of art - set the standards in both fine art painting and sculpture for centuries to come.

Rome: The Centre of the High Renaissance

Rome now superceded Florence as the focal point of the Early Renaissance, not least because of papal ambition to make Rome even greater than its Florentine rival. The exorbitant patronage of Pope Julius II (1503-13) and Pope Leo X (1513-21) secured and retained the services of painters like Raphael, Leonardo and Michelangelo, all of whom created oils and mural painting of startling novelty, plus architects like Donato Bramante, a key figure in the redevelopment of St Peter's Basilica. Driven by Popes who wished to use art to reinforce the glory of Rome, the High Renaissance marked the zenith of the return to classical humanist values based on ancient Greek art and culture. As the Church was the major patron, Christian art remained the major genre.

For the leaders of the Florentine High Renaissance once Leonardo and Michelangelo had departed: see Fra Bartolommeo (1472-1517), leader 1508-12 replaced by Andrea del Sarto (1486-1530).

Meanwhile in Venice. Giovanni Bellini (1430-1516) was busy developing a separate school of Venetian painting, based on the primacy of colorito Über disegno. His pupils included the short-lived enigmatic Giorgione (1477-1510), Sebastiano del Piombo (1485-1547) and Titian (c.1477-1576), arguably the leading colourist of the Italian Renaissance, as well as provincial masters like Lorenzo Lotto (1480-1556). See, in particular, Giorgione's Tempest (1508, Venice Academy Gallery) and Sleeping Venus (1510, Gemaldegalerie, Dresden) For information about portraiture, see: Venetian Portrait Painting (c.1400-1600).

Elsewhere in Italy, High Renaissance values also influenced provincial centres like the Parma School of painting and the later Bolognese School (1580s on).

Note: Much pioneering work on the attribution of paintings during the Italian Renaissance, was done by the art scholar Bernard Berenson (1865-1959), who lived most of his life near Florence, and published a number of highly influential works on the Italian Renaissance.

High Renaissance Aesthetics

Ever since Giotto abandoned medieval hieratic art in favour of depicting nature, his successors from the quattrocento managed to find more and more ways to improve their portrayal of the real world. Techniques involving linear perspective and vanishing points, foreshortening, illusionistic devices, Chiaroscuro und sfumato shading - all these methods were mastered during the High Renaissance. Während der cinquecento, the near universal adoption of oil painting eliminated the matt colours of the 15th century, and made it possible for distance to be conveyed solely through the gradation of tones - a process known as aerial or atmospheric perspective.

Even so, despite the growing realism being achieved in their art, High Renaissance artists aspired to beauty, and harmony mehr than realism. Their paintings may have been based on nature but they had no interest in mere replication. Instead they looked for ultimate truth in a study of the classical world of Greek and Roman culture. It was this that provided artists with an ideal of perfection: their aesthetics. Thus, Greek philosophy provided the secret of the perfect human type with its proportions, muscular structure, oval face, triangular forehead, straight nose, and balance - with the weight on one hip - all of which can be seen in the paintings of Raphael, and the immensely expressive sculpture of Michelangelo. The latter in particular was never afraid to bend the realistic rules of anatomy and proportion, in order to increase his power of expression.

It was through Classical Greek philosophy that Renaissance theorists and artists developed their idea of 'Humanism'. Humanism was a way of thinking which attached more importance to Man and less importance to God. It imbued Renaissance art with its unique flavour, as exemplified in works like Leonardo's Mona Lisa (a non-religious painting), Michelangelo's David - a more human than religious statue - and Raphael's cool secular fresco School of Athens. Even when High Renaissance artists painted religious paintings, or sculpted a religious scene, very often they were not glorifying God but Man. They were exalting the ideals of classical aesthetics. Paradoxically, a few mythological works - such as Jupiter and Io (1533) by Correggio - do the opposite: they don't glorify men but Gods!

Note: In the eyes of at least one European Renaissance expert - Jacob Burckhardt (1818-97), Professor of Art History at Basel University and author of "The Civilization of the Renaissance in Italy" (Die Kultur der Renaissance in Italien), published in 1860, the first fifty years of the 16th century represented the Golden Era of Renaissance art.

For details of European collections of quattrocento und cinquecento Italian painting, see: Art Museums in Europe.

High Renaissance Architecture

The rediscovery of Greek architecture and later Roman architecture, and its rejuvenation by Italian Renaissance architects such as Filippo Brunelleschi (1377-1446), Leon Battista Alberti (1404-72), Guiliano da Sangallo (1443-1516), Donato Bramante (1444-1514), Raphael (1483-1520), Michelangelo (1475-1564), Baldessare Peruzzi (1481-1536), Michele Sanmicheli (1484-1559), Jacopo Sansovino (1486-1570), Giulio Romano (1499-1546), Andrea Palladio (1508-80), and Vincenzo Scamozzi (1548-1616), led to the reintroduction of classical values in nearly all building designs of the time. Greek Orders of architecture were discovered, along with ideal building proportions, while Doric and Corinthian columns were incorporated into a variety of religious and secular structures. Renaissance domes began to appear, crowning the tops of churches and palaces.

High Renaissance architecture is best exemplified by the works of Donato Bramante, notably the initial design for the dome of the new St Peter's Basilica in Rome, as well as the Tempietto (1502) at S. Pietro in Montorio, a centralized dome that recalls Greek temple architecture. He was also closely involved with Pope Julius II in planning the replacement of the 4th century Old St Peter's with a new basilica of gigantic size.

Part of the enduring legacy of Italian Renaissance art is the Beaux-Arts style of architecture. A lavish mix of Renaissance and Baroque styles, Beaux-Arts designs emerged during the 19th century, and were championed by graduates of the Ecole des Beaux-Arts, in Paris. In America, the style was introduced by Richard Morris Hunt (1827-95) and Cass Gilbert (1859-1934).


The Trial and Execution of Charles I

Charles I was the first of our monarchs to be put on trial for treason and it led to his execution. This event is one of the most famous in Stuart England’s history – and one of the most controversial. No law could be found in all England’s history that dealt with the trial of a monarch so the order setting up the court that was to try Charles was written by a Dutch lawyer called Issac Dorislaus and he based his work on an ancient Roman law which stated that a military body (in this case the government) could legally overthrow a tyrant. The execution of Charles, led to an eleven year gap in the rule of the Stuarts (1649 to 1660) and it witnessed the rise to supreme power of Oliver Cromwell – whose signature can be clearly seen on the death warrant of Charles.

Charles was put on trial in London on January 1st 1649. He was accused of being a

He was to be tried by 135 judges who would decide if he was guilty or not. In fact only 68 turned up for the trial. Those that did not were less than happy about being associated with the trial of the king. In fact, there were plenty of MPs in Parliament who did not want to see the king put on trial but in December 1648, these MPs had been stopped from going into Parliament by a Colonel Pride who was helped by some soldiers. The only people allowed into Parliament were those who Cromwell thought supported the trial of the king. This Parliament was known as the “Rump Parliament” and of the 46 men allowed in (who were considered to be supporters of Cromwell), only 26 voted to try the king. Therefore even among those MPs considered loyal to Cromwell, there was no clear support to try Charles.

The Chief Judge was a man called John Bradshaw. He sat as head of the High Court of Justice. He was not one of the original 135 judges but none of the 68 that did turn up wanted to be Chief Judge and the job was given to Bradshaw, who was a lawyer. He knew that putting Charles on trial was not popular and he actually feared for his own life. He had made for himself a special hat which had metal inside it to protect his head against an attack. It was Bradshaw who read out the charge against Charles that he

“out of a wicked design to erect and uphold in himself an unlimited and tyrannical power to rule according to his will, and to overthrow the rights and liberties of the people of England. “

The hall where the king was tried was packed with soldiers – to protect the judges or to make sure that the king did not escape? The public was not allowed into the hall until after the charge had been read out. Why would the government do this if their case against Charles was good?

At the trial, Charles refused to defend himself. He did not recognise the legality of the court. He also refused to take off his hat as a sign of respect to the judges who did attend. This seemed to confirm in the minds of the judges that Charles, even when he was on trial for his life, remained arrogant and therefore a danger to others as he could not recognise his own faults.

Bradshaw announced the judgment of the court : that

“he, the said Charles Stuart, as a tyrant, traitor, murderer and public enemy to the good of this nation, shall be put to death by severing of his head from his body.”

When the judgment of the court was announced, Charles finally started to defend himself. He was told that his chance had gone and the king of England was bundled out of the court by the guarding soldiers.

His date of execution was set for January 30th1649.

The execution of Charles I

Charles was executed on a Tuesday. It was a cold day. Charles was allowed to go for a last walk in St James’s park with his pet dog. His last meal was bread and wine. However, there was a delay in his execution.

The man who was to execute Charles refused to do it. So did others. Very quickly, another man and his assistant was found. They were paid £100 and were allowed to wear masks so that no-one would ever know who they were.

At nearly 2.00 o’clock in the afternoon, Charles was led to the scaffold which was covered in black cloth. He had asked to wear thick underclothes under his shirt as he was very concerned that if he shivered in the cold, the crowd might think that he was scared. Charles gave a last speech to the crowd but very few could hear him. Er sagte:

“I have delivered to my conscience I pray God you do take those courses that are best for the good of the kingdom and your own salvation.”

It is said that when he was beheaded a large groan went up throughout the crowd. One observer in the crowd described it as “such a groan by the thousands then present, as I never heard before and I desire I may never hear again.”

Even in death, Charles found no dignity. Spectators were allowed to go up to the scaffold and, after paying, dip handkerchiefs in his blood as it was felt that the blood of a king when wiped onto a wound, illness etc. would cure that illness.

On the 6th February, 1649, the monarchy was abolished. Parliament stated that

“the office of the king in this nation is unnecessary, burdensome and dangerous to the liberty, society and public interest of the people.”

What became known as a Council of State was set-up instead of the monarchy and Oliver Cromwell was its first chairman.

When Charles II returned to become king of England in 1660, those men who had signed his father’s death warrant (and were still alive) were tried as regicides (the murderer of a king) and executed. Anyone associated with the execution of Charles was put on trial. The only people to escape were the executioners as no-one knew who they were as they wore masks during the execution.


Mothra

Referred to as the Queen of Monsters, Mothra is one of the first Titans seen in the film, depicted hatching from an egg at a Monarch facility housed within an ancient Chinese temple. Initially seen as a massive larva, Mothra escapes when the facility is attacked, and cocoons herself beneath a waterfall, where she eventually metamorphoses into her classic, winged form. Arriving to help Godzilla during the climactic battle in Boston, Mothra fights King Ghidorah's ally Rodan, and severely wounds the fiery beast before sacrificing herself to empower Godzilla with her life energy.

Introduced in 1961 in the eponymous Japanese film, Mothra was one of the first kaiju to battle Godzilla, in 1964's aptly titled Mothra vs. Godzilla, before making her return as an ally. Often commanded by a pair of fairy twins, Mothra is able to dust opponents with mysterious energy that coats her wings, or trap them in a sticky, stringy fluid she can spit. Mothra's unusual history is reflected in King of the Monsters by Zhang Ziyi's characters, Dr. Ilene Chen and her twin sister Dr. Ling Chen studying the Titan, like their mother and grandmother before them, dating to 1961 -- a reference to that original film. It's revealed during the end credits that Monarch has discovered another Mothra egg, hinting at the monster's return.


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The Purebred Cavalier King Charles Spaniel

Daphne the Cavalier King Charles Spaniel at 3 years old&mdash "She has the Blenheim spot on the top of her head. Her favorite things to do are kiss, cuddle and go on runs with our other dog Raven, an Australian Shepherd." A Blenheim spot is a spot in the middle of the crown of the head. It is also sometimes called "the kiss of Buddha" oder "Kissing Spot."

Other Names
Aussprache

kav-uh-leer king chahrlz span-yuh l

Beschreibung

The Cavalier King Charles Spaniel is a well-proportioned little dog. The head is slightly rounded, the muzzle full, tapering a little with a shallow stop. The nose is black. The teeth meet in a scissors bite. The dark brown eyes are round and set well apart with dark eye rims. The long ears are set high with abundant feathering. The topline is level. The tail is sometimes docked by 1/3, but is usually left natural. Dewclaws may be removed. The silky coat is medium in length with feathering on the ears, chest, legs and the tail. Colors include tricolor, black and tan, blenheim (red and white) and ruby (rich mahogany red).

Temperament

The Cavalier King Charles Spaniel is an eager, affectionate and happy dog, always seeming to be wagging its tail. Outgoing and sportive, these fearless lively little dogs are eager and willing to please. They are intelligent enough to understand what you want and therefore are usually easy to train and respond well to gentle obedience training. They are said to be naturally well behaved and get along well with other dogs and non-canine pets. Cavaliers love people, enjoy companionship, and need rules to follow and limits to what they are allowed to do. They are not suited to kennel life and should not be left alone all day. If you do need to leave them, be sure to take them for a pack walk before you leave to put them in a natural rest mode. Do to their hunting background they have an instinct to chase. Do not allow this sweet dog to develop Small Dog Syndrome, human-induced behaviors where the dog thinks he is pack leader to humans. This can cause a varying degree of behavior problems, which are not Cavalier traits, but are brought on by the way they are being treated. They are recommended with older considerate children, simply because most small dogs are treated in such a way they start to believe they rule the home. In addition to being the dog's leader, socialize well to avoid them being reserved with strangers. The Cavalier King Charles Spaniel is a pleasant companion dog. They have remarkable eyesight and sense of smell and can be used in short hunts in open country. They do well in competitive obedience.

Height, Weight

Height: 12 - 13 inches (30 - 33 cm)

Weight: 10 - 18 pounds (5 - 8 kg)

Health Problems

Prone to syringomyelia, hereditary eye disease such as cherry eye, dislocating kneecaps (patella), back troubles, ear infections, early onset of deafness or hearing trouble. Sometimes hip dysplasia. Don't overfeed. This breed tends to gain weight easily. Also prone to mitral valve disease, a serious genetic heart problem, which can cause early death. It is wise to check the medical history of several previous generations before choosing your puppy.

Living Conditions

Cavalier King Charles Spaniels are good for apartment life. They are moderately active indoors and a small yard will be sufficient. The Cavalier does not do well in very warm conditions.

Übung

Cavalier King Charles Spaniels need a daily walk. Play will take care of a lot of their exercise needs, however, as with all breeds, play will not fulfill their primal instinct to walk. Dogs that do not get to go on daily walks are more likely to display behavior problems. They will also enjoy a good romp in a safe open area off-lead, such as a large, fenced-in yard.

Lebenserwartung
Litter Size
Grooming

Comb or brush with a firm bristle brush, and bathe or dry shampoo as necessary. The hair between the pads on the feet needs to be trimmed. Prone to tangling and matting on the ears, and should be brushed often. Clean the inside of the ears regularly. Always make sure the dog is thoroughly dry and warm after a bath. Check the eyes carefully for any signs of infection. This breed is an average shedder.

Herkunft

Named for King Charles II, the Cavalier King Charles Spaniel is descended from the King Charles Spaniel. In the late 1600s the King Charles Spaniels were interbred with Pugs, which resulted in a smaller dog with flatter noses, upturned faces, rounded heads and protruding eyes. The consequence of this breeding is what we know today as the King Charles Spaniel (English Toy Spaniel).In the 1920s an American named Roswell Eldridge offered prize money during a Cruft's Dog Show in London to any person exhibiting King Charles Spaniels with long noses. He was looking for dogs similar to those appearing in Van Dyck's paintings of King Charles II and his spaniels, before the Pug was bred in. A dog called Ann's Son, owned by Miss Mostyn Walker, won the Eldridge prize, however Eldridge had died a month before the show opened and was not there to present the award. His ideas lived on in American breeders. The Cavalier King Charles Spaniel breed, as we know it today, is the product of the American breeders of the late 1920s, though this 'modern' breed is the true heir of the royal spaniels of King Charles II. By the 1940s these dogs were classified as a separate breed and were given the prefix Cavalier to differentiate them from their forebears. The Cavalier King Charles Spaniel was shown in the Toy Group of the AKC beginning in 1996.

Gruppe
Erkennung
  • ACA = American Canine Association Inc.
  • ACR = American Canine Registry
  • AKC = American Kennel Club
  • ANKC = Australian National Kennel Club
  • APRI = American Pet Registry, Inc.
  • CKC = Canadian Kennel Club
  • CKC = Continental Kennel Club
  • DRA = Dog Registry of America, Inc.
  • FCI = Fédération Cynologique Internationale
  • KCGB = Kennel Club of Great Britain
  • NAPR = North American Purebred Registry, Inc.
  • NKC = National Kennel Club
  • NZKC = New Zealand Kennel Club
  • UKC = United Kennel Club

Paris the tricolor Cavalier King Charles Spaniel at 2 years old&mdash"Paris is a very loving dog. No one is a stranger to her. She enjoys playing with children and running around the back yard. Her favorite sleeping toy is a lamb, which she received as a Christmas present."

Boz the Cavalier King Charles Spaniel at 7 months old&mdash"This is Boz carrying around his favorite toy when he was a puppy. Boz is now an adult and is such a great companion. Boz enjoys going for walks and going for car rides. But above all, his favorite thing to do is to meet humans! He isn't really fond of other dogs, except for the other 3 dogs we have. When Boz was a little over a year old, we got a Shih Tzu, Molly, because we noticed Boz wanted a friend to play with. He couldn't have been happier! Boz is a great cuddler and a very loyal companion."

Boz the Cavalier King Charles Spaniel at 7 months old&mdash"This is Boz carrying a treat in his mouth."

Jewel the Cavalier King Charles Spaniel

This is Charlemagne and his litter of 7 brothers and sisters. Charlemagne is the first pup on the left.

Lucky the ruby Cavalier King Charles Spaniel puppy at 10 weeks old

Lucky the ruby Cavalier King Charles Spaniel puppy at 10 weeks old

Rusty the Blenheim Cavalier KC Spaniel and Kirby, a tricolored Cavalier KC Spaniel

Buddy the Cavalier King Charles Spaniel at 12 weeks old

See more examples of the Cavalier King Charles Spaniel

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Schau das Video: Hunden Einar (Juli 2022).


Bemerkungen:

  1. Zulum

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  2. Zimra

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  3. Acair

    Zu jedem nach seinen Fähigkeiten, von jedem nach seinen Bedürfnissen oder was auch immer es von Karl Marx geschrieben wurde

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